Rubber Songs de Jeget den Enkelte

Manualidades de Jeget # 5: No somos gatos.

2012-02-09T12:28:00.000-08:00

Marea caminar por la sinuosa línea de las intenciones/
y es peor cuando se nos olvida/
que los pronombres ocultan..., por eso asombran/
yo, tú, él, ella//

Tanto para quien cree mucho (pero en muy poco)/
como para el que ve poco (pero acierta mucho)/
no hay demasiado que decir/
so riesgo a caer de pie//

Recordemos que no somos gatos/
y que el concreto no tiene la culpa/
del intenso torrente de gravedad/
que se agolpa en las rodillas//

Mientras esperas..., o esperones/
tratemos de no dañar a terceros/
dejemos las cuentas en números cerrados/
porque si lo sabe el Mundo, que lo sepa Dios//

USTED ESTÁ AQUÍ.

Cat Stevens: I love my dog... el Rott

2012-01-24T14:29:00.000-08:00

En una página dicen lo siguiente de I love my dog de Cat Stevens:

"Esta colección [se refiere al Cd Early Tapes] abre con "I love my dog", la cual, si bien no es brillante, al menos muestra que Stevens estaba dispuesto a aproximarse a la composición desde angulos poco convencionales, inclusive desde ese escenario."

Artista: Cat Stevens.

Canción: I love my dog.

Amo a mi perro tanto como te amo a ti.
Tu quizás desaparezcas, pero mi perro siempre vendra.
Todo lo que él pide de mi, es la comida que le da fortaleza.
Todo lo que él necesita es amor, y sabe que lo obtendrá.
Así, que amo mi perro tanto como te amo a ti.
Tu quizás desaparezcas, pero mi perro siempre vendra.
Toda la paga que necesito viene del brillo de sus ojos.
No necesito agua fria para darme cuenta de eso.
Amo a mi perro tanto como te amo a ti.
Tu quizás desaparezcas, pero mi perro siempre vendra.
Na, na,na,na,na,nana...
Amo a mi perro tanto como te amo a ti.
Na, na,na,na,na,nana...
Amo a mi perro, Nena, amo a mi perro. Na, na,na
Amo a mi perro, Nena, amo a mi perro. Na, na

Ok. No es la mejor letra de Cat Stevens, pero..., pero..., este hombre es el creador de Tea for the tillerman (1970), así que se le perdona.

__________________________________________

P1-El perro de la foto es un rottweiler llamado Rott.

P2-Orale, queeeeee original.

P1-Y si llegara a tener un hijo le pondriamos...

P2-¡Hey, hey! Dejame adivinar, mmmm lo llamarían Weiller

P1-Pues en realidad estabamos pensando en ponerle Pepito o Juanito, pero tu idea no me parece tan descabellada.

Dorothy Parker: la suicida de Odio Fonky.

2012-01-14T20:37:00.000-08:00

Me suena... me suena...
¡Claro!
Odio Fonky. Tomás de buró.
___________________________

Mis momentos de lectura de esta semana han estado dedicados a La felicidad y el suicidio (Ediciones Bruguera, Barcelona, 2007) de Luis Antonio de Villena. Las páginas de dicho libro sirven de hogar a una serie de ensayos donde el autor traza su postura sobre distintos tópicos relacionados con la muerte por propia mano. Ciertas vivencias personales (citadas en el libro) justifícan el interés de Antonio de Villena por el suicidio. Para poder ahondar en sus propias tesis, el autor trae a colación la vida, obra y mito de varios suicidas y no-suicidas. Entre los distintos ensayos de La felicidad... aparecen, lo mismo, Hemingway, Séneca y Mishima, que ciertos desconocidos personajes con los que tuvo contacto el propio de Villena... entre muchos otros. De entre toda esta suerte de catálogo de personas y métodos suicidas -porque también la soga, la pistola, las pastillas, los riscos, el mar, et al, gritan ¡presente!- hay una mujer que llamó mi atención. Para saber de ella tenemos que remitirnos al segundo ensayo del (a su vez) segundo apartado del libro; el apartado se titula: Vivir encima, y el ensayo lleva por nombre: Suicidio y "dificultad de vivir". Hay dos personajes principales (dos mujeres por cierto) en Suicidio y "dificultad de vivir": Anna Ajmátova (poeta rusa) y Dorothy Parker (poeta, novelista norteamericana). Por el momento dejemos de lado a Ajmátova y enfoquémonos en Parker.

El retrato que Luis Antonio de Villena traza de Dorothy Parker (1893-1967) es el de una mujer apasionada en todos los aspectos; en el laboral, estético, ético y personal. Pero el epicentro de sus sufrimientos estuvo, irónicamente, en ese mismo apasionamiento por la vida. Aún cuando se casó varias veces, los hombres y las relaciones que entabló con ellos, fueron su principal fuente de desdicha y creatividad (¿en ese orden?). Así lo resume de Villena:

Le sedujo el mundo fashion y sus enrevesamientos, quería que la quisieran y no deseaba estar sola, pero comprendió que la soledad profunda es difículmente alterable y que la pareja, a menudo, no es un antídoto contra esa soledad. (Pág. 115)

Dorothy Parker es uno de esos personajes en los que Luis Antonio de Villena ejemplifíca alguno de sus puntos de vista sobre el suicidio. En la poeta norteamericana el autor ve un claro ejemplo del tipo de personas donde el impulso tanático y el elan vital combaten de manera más férrea. En un caso como el que nos ocupa NO SE ES totalmente optimista ni perdidamente pesimista... PERO TAMPOCO se es un complacido mediocre; sino todo lo contrario. Es asi como podemos comprender que Dorothy Parker haya atentado cuatro veces contra su vida, pero que al final haya tenido una muerte natural (por un ataco cardíaco a los 74 años). ¿Mala suerte de suicida? ¿Poca pericia suicida? o ¿Buena suerte de sobreviviente? ¿Mucha técnica vital? El autor de La felicidad y el suicidio explica esta suerte de ironía en la vida de Parker de la siguiente manera:

Quizá busco más el grito que el precipio, y lo que quería decir -además del inasible "quiéreme"- es que estaba cansada y que no era feliz. Es muy citado un poemita suyo -de hacia 1930- que da cuenta del suicidio y su rechazo. Se titula en francés "Résumé" (Resumen) y lo doy en mi propia traducción:

Las navajas duelen;

el río está húmedo.

El ácido mancha;

la droga da calambres.

La pistola no es lícita;

los nudos atrapan.

Huele fatal el gas;

quizá vivir, ¿no?

(Pág 114)

Vaya "poemita" el que nos heredó Dorothy Parker; muy coherente con una mujer que deseaba que junto a sus cenizas se leyera el siguiente epitafio: "Perdon por el polvo". Nadie se atrevió a cumplirse ese deseo.

_____________________

Leyendo esas líneas de Dorothy Parker me fue imposible no recordar El Suicida, penúltimo track del Odio Fonky (1994) de Jaime López y José Manuel Aguilera. Uno de mis discos favoritos, y el cual muy a menudo anda rondando por mi mente -de ahí la rapida asociación de nombres-.

El Suicida es uno de los tres diálogos (los otros dos son Indian Summer y El Recado) que se encuentran esparcidos entre los dieciséis tracks que forman el desparpajado, pero genial Odio Fonky. El pequeño monólogo de El Suicida (al igual que Indian Summer) aparece acreditado a José Joaquín Blanco, pero es muy parecido a Resumen de Dorothy Parker. Di una repasada a distintos textos que tengo, donde se habla de la gestación del Odio Fonky, y en ninguno de ellos se nos dice de dónde provienen los textos con los que contribuyó José Joaquín Blanco. Si se comparan los textos de Parker y de Blanco el parecido salta a primera vista.

El suicida de José Joaquín Blanco.

Las navajas sí, pero... hieren
los rios sí, pero... mojan
los acidos sí, pero... manchan
las drogas sí, pero... entumen
las pistolas son ilícitas
con la horca, una saca la lengua
el gas... sí... pero huele feo
mejor hacerse a la idea de...
vivir.

Resumen de Dorothy Parker (en la traducción de Luis Antonio de Villena)

Las navajas duelen;

el río está húmedo.

El ácido mancha;

la droga da calambres.

La pistola no es lícita;

los nudos atrapan.

Huele fatal el gas;

quizá vivir, ¿no?

Mi teoría es la siguiente: el monólogo de El Suicida fue tomado de una traducción que José Joaquín Blanco hizo de Resumen de Dorothy Parker, pero que por error fue tomada como original del propio Blanco. Buscando en el blog del propio José Joaquín Blanco, encontré la ficha de un libro suyo tituado Se visten novias: somos insuperables (Cal y arena, México 1993), y uno de sus apartados se titula: Como Dorothy Parker.

http://josejoaquinblanco.blogspot.com/2009/10/se-visten-novias.html

El libro apareció un año antes que Odio Fonky, quizás ahí esté la explicación de este asunto. ¿Qué opinan ustedes?

P.D. Una vez que estaba leyendo sobre la postura que tenían los estoicos respecto al suicidio, se me ocurrió el siguiente intento de aforismo:

Para ser una puerta falsa, resulta curioso que siempre esté abierta.

Darkness: Segundo sencillo del Old Ideas.

2012-01-11T20:29:00.000-08:00

Poco a poco Old ideas va mostrando su rostro. Si en un principio fue el track Show me the place, y poco después apareció su respectivo video (que no se bien que tan oficial es), ahora toca el turno a Darkness. El sonido de este segundo sencillo nos remite al Leonard Cohen del The Future, es decir, que tiene esa vibra de jazz/funky apocalíptico con la que bien podriamos mover cadenciosamente nuestra cabeza mientras el mundo se desmorona ante nuestros ojos.

Blues Masters Vol. 1 y sus caóticas e informativas notas.

2012-01-09T16:00:00.000-08:00

Entre mis adquisiciones de ésta semana está Blues Masters Vol.1 Un muy buen recopilatorio de (obviamente) algunos de los standars del blues. No soy un versado en el asunto, y es por esto mismo que el Lp llamó mucho mi atención (mi novatez me impulsó). La lista de músicos y música es variada, pero nunca dispareja. Dentro de los surcos del acetato descansan por igual la dureza de They call it boogie de Mississippi Johnny Waters (la rola más larga del Lp), el movido piano que comanda I say yeah de Memphis Slim y ese blues con tenues aires de soul (así me lo parece) de Born under a bad sign de Albert King. Además se puede escuchar la famosa Hoochie Coochie Man de Muddy Waters, canción a la que, por cierto, el escritor José Agustín le dedica el primer mini-cuento de su libro Los grandes discos de Rock 1951-1975 (Editorial Planeta, México, 2001. Pág 15) titulado Nunca queda satisfecho. Dicho cuento termina con la siguiente imagen (imagen que se torna más nítida si se lee con Hoochie Coochie Man de acompañamiento):

"Encendió un cigarro de mariguana y lo fumó con la mano izquierda; con la derecha, la de la guitarra, desabotonó la bragueta, sacó su animalote de veintidós centímetros y procedió lenta, delectante, elegantemente, a masturbarse frente al espejo."

Jimmy Reed es otro blusero que también está incluido en Blues Masters Vol.1( con Baby, what you want me to do como carta de presentación); y también a él José Agustín le dedica un apartado en su recuento de los grandes discos de rock. En dicho apartado, en una supuesta charla entre pachecos, se dice:

"-La máxima de Jimmy Reed es "Baby, what you want me to do".

-Qué rolón, pero es de Willie Dixon.

-Elvis se la echa padrísima en el concierto en que trae la chamarra de cuero negro. Cada vez que se le atoraba la tocada, recurre a ese rolonononón.

-Pásala, no te cuelgues." (Idem. Pág. 18)

El lado instrumental (casi casi) del blues dice "presente" en boca (más bien en dedos) de Booker T. Laury con su Booker Boogie, canción en la que la tríada de piano, contrabajo y armónica teje un cachondo ritmo que durante casi tres minutos y medio labra el camino para que la voz de T. Laury aparezca, como mero cierre, cuando todo el trabajo ya está hecho. De mis favoritas del acetato.

En el sexto surco del lado A del Lp se encuentra la abrasiva Dust My Broom de Elmore James, un muy buen track que es muy mencionado en las notas que se encuentran en la contraportada de Blues Masters Vol.1. Dichas notas son, a la par, caóticas e informativas, ya que inician hablando de una cosa y entonces... ¡corte! y pasan a otra sin ton ni son. Al parecer los editores del disco sólo buscaron algunas notas sobre algunos de los músicos incluidos, y al más puro estilo, tan socorrido hoy en día, del cut and paste lograron llenar la contraportada de información. Para evitar cualquier reclamo dejaron las notas en inglés, y así a primera vista da el gatazo de ser un conjunto unitario de información blusera.

Me tome la libertad de traducir, separar e identificar un poco las notas que acompañan Blues Masters Vol. 1, ya que aunque caóticas, sí logran ayudarnos un poco. Si se les separa como es debido, dibujan aspectos generales de algunos músicos como Elmore James, Jimmy Reed y John Lee Hooker. Aquí les dejo el disco digitalizado, espero que lo disfruten:

Blues Masters Vol.1

Y aquí les dejo las notas ya traducidas (las anotaciones en mayúsculas son mías), también espero que les sean de su agrado:

__________________
COMIENZAN HABLANDO DE LA FORMA EN QUE ALGUIEN (NO SABEMOS QUIEN) DESCUBRIO LA MUSICA DE ELMORE JAMES, Y COMO ESTA MUSICA TIENE UNA NUEVA RE-EDICION.

Desde que el blues nació (y algunas personas te diran que ellos nunca nacieron, como el famoso personajes de ficción Topsy, ellos "sólo crecieron"), los cantantes y músicos de blues han tenido sus instrumentos favoritos con los cuales expresarse.

Dentro de la historia, los guitarristas que han tenido que tocar y cantar a su manera se cuentan por centenares. Ellos llegaron desde el rico y fértil Delta del Mississippi, y los críticos han tenido que escribir de estos hombres y de sus estilos - primitivo en sus inicios, pero hoy forman la base de la era del blues eléctrico y urbano. Los nombres de los pioneros ahora son famosos.
Elmore James -a él lo escuche a inicios de lo sesentas -yo contaba con quince años de edad, recien había descubierto el blues- . En la tienda de discos de Dave Carey, en Streatham, había una gran sección secundaria, la mayoría de ellos eran discos de jazz. Un día una rara colección de importados apareció, tenían un grueso protector de portadas, en el frente podía haber un estilizado retrato del cantante o una fotografía de una dama negra, usualmente sentada en un bar y con mirada seductora, y una lista de los otros lanzamientos de la compañia en la contraportada -ninguna otra información-. Estas "joyas de la corona" de la marca no sólo eran baratas (lo más importante) sino que tenían artistas fantásticos - Howlin´Wolf (sus primeros lanzamientos), John Lee Hooker, Smokey Smothers, Etta James, etc, y al reverso de este conglomerado un album de este tipo Elmore James.

En ese entonces yo estaba totalmente enloquecido por Robert Johnson y Son House y ¡tómala mi chulo! aquí había un tipo que estaba haciendo eso en la guitarra electrica ¡y con una banda de apoyo!.

¿Esa banda mueve?, ¿Esa guitarra slide quema? Y encima de todo eso las emocionales y angustiadas vocalizaciones de Elmore. Eso fue todo. Tuve que recoger mi guitarra y un amplificador. Cuando mis padres salieron enchufé el tocadiscos Dansette al amplificador, junto con mi guitarra y toqué junto a Elmore James y los Broomdusters -¡probablemente la mejor banda con la que yo haya tocado!-
Así que aquí tenemos otra re-edición de Elmore. Pienso que todas las pistas han sido lanzadas con el paso de los años en una u otra forma. Aquí están otra vez para nuevos oidos (o para personas como yo, quienes hemos acabado con nuestras copias anteriores). Esta música es tan grande como siempre, y tan significativa en 1980 como lo fue el día en que la grabaron, así que pon el disco en tu tocadiscos Dansette/ o tu centro de audio, sientate (o brincotea) con Homesick, J.T., Johnny, Odie, y al frente el gran Elmore James.

_______________________
AQUI COMIENZAN A HABLAR DE JIMMY REED.

"Un verdadero blues sureño es cantado con espíritu por Jimmy Reed, mientras que el combo de sonidos sale apoyado por una harmónica y una salvaje guitarra; debería complacer a algunas áreas del sur." Así fue como la Billboard describió "High and Lonesome", otorgándole una puntuación de 69 en su reseña de Septiembre de 1953.
Actualmente la reseña está en la re-edición de Change -aparentemente Art Sheridan, propietario de Chance (sic) Records, fue amigo de Vivian Carter y de Jimmy Bracken, los dueños de Vee Jay, y habían tomado control de la distribución de los dos primeros discos de Vee-Jaly (sic), para ayudar a que la compañia tomara vuelo.
Nacido el 6 de Septiembre de 1925, vivió hasta los 15 en una plantación en Dunleith, Mississippi, tocando la harmónica en sus ratos libres, palomeando con Eddie Taylor en cada oportunidad que se presentaba.
Después de un periodo en la marina se casó y arribó a Chicago, comenzando a trabajar en un acerera, y eventualmente mudándose a Valley Mould Iron Foundary en 1951. Al mismo tiempo empezó a trabajar en las calles del South Side de Chicago con Jody (Willie Joe) Duncan. Duncan tocó un monocordio repicado con un broomwire, y ocasionalmente golpeaba un conjunto de cucharas, coordinadas con la harmónica y guitarra eléctrica de Reed. Sonaba como un comienzo poco prometedor, pero Duncan pronto emigró a California y ahí grabó su bizarro "Unitar Rock" para Specialty.
Mientras tanto Reed tocaba con otros músicos más cumplidores, como son Kansas City Red, Blind John Davis y Floyd Jones, y se encontró de nuevo con su viejo amigo Eddie Taylor.
Los recuerdos de ésta época son confusos, pero al parecer Reed tocó regularmente en Gary, Indiana con John y Grace Brim, Taylor, Johnny Littlejohn y Albert King -que en ese entonces era baterista-.

_____________________
DE LA NADA, PASAN A HABLAR DE JOHN LEE HOOKER

El mensaje de John Lee Hooker, desde su primera sesión en 1948, sesión que produjo la millonaria "Boogie Chillen". Él mismo, al ser tan genuino, se labró un nicho en el altamente competitívo mercado del R&B.
Su estilo es una combinación del blues del Mississippi en concordancia con el rasposo estilo citadino. Hay un pequeño enganche de por medio: una voz amenazante o llena de exaltación sexual, furiosos solos de guitarra e hipnóticos patrones rítmicos... imaginen una fusión entre Roy Brown y Bo Diddley.
Asentado en Detroit pero firmado primero por una compañia de West Coast, Hooker (para quien su frase era "Tú pagas... yo toco) no tenía menos de setenta 78´s lanzados en veinte distintas compañias, con seudónimos como "Birmingham Sam and his Magic Guitar". Firmado en 1955 por la compañia de Chicago Vee-Jay, el estilo rasposo de Hooker fue bajado de tono para encajar con el sonido de Chicago, sonido ejemplificado por Muddy Waters y Little Walter. Sus discos testifican que Hooker no era un músico ordinario. Ignorando los libros de texto, el se complació con cosas como seguir manteniendo el tiempo. Vee Jay sorteó las dificultades del acompañamiento escogiendo a los músicos indicados. Eddie Taylor como segunda guitarra (el hombre detrás del éxito de Jimmy Reed), el bajista George Washington y Quinn Wilson, además del baterista Tom Whitehead y Earl Phillips.
El sonido de Vee Jay tomó forma con una ajustada, pero movida banda,con la rica voz de Hooker y el brillo de su guitarra en estacato. Éxitos como "Dimples" se convirtieron en una inspiración para la escena del R&B de los sesentas. Su carrera en Vee Jay lo llevó de los ghettos de Detroit a la aclamación mundial...

___________________________________
AQUI, AL PARECER RETOMAN EL TEMA DE ELMORE JAMES.

Con una revisión de "Dust My Broom" de Robert Johnson, y un instantaneamente identificable boottleneck riff de guitarra, Elmore James capturó la imaginación de la creciente audiencia de blues de los sesentas (como lo testifica el guitarrista Dave Kelly en las notas de su "One Way Out").
Para los fanáticos europeos James era entonces un misterio, una figura casi mítica, sólo unos pocos lo habían conocido e inclusive unos cuantos menos los habían visto actuar. Esos eran los días anteriores a Blues Unlimited, esa confiable fuente de información del blues. Lo que conocemos de Elmore James fue cosechado de las columnas del Jazz Journal y de los reportes de George Adins, quien actualmente lo vio actuar en un club del West Side de Chicago. Todos maquinado nuestras propias fantasias y prejuicios acerca del hombre. Por 10 años el único dato duro de él, fue su muerte. El resto de su biografía -como la de Robert Johnson- son puras conjeturas. Gracias al trabajo tardío de Mike Leadbitter, ahora tenemos la verdadera biografía, inclusive tenemos la hora de su nacimiento: las 7 en punto del 27 de Enero de 1918, en Richland, Mississippi, el hijo ilegítimo de Leola Brooks. Para la mayoría Elmore James, es ahora, quizás mejor recordado como la persona que con su música ayudó a crear un renacimiento del blues blanco. Si en los sesentas, no hubiera habido bandas de blues de blancos que copiaran sus canciones, el nombre de Elmore James nunca hubiera alcanzado tantos nuevos oidos. El album de John Mayall "Hard Road", que se mantuvo en las listas de popularidad del Reino Unido por diez semanas, incluye "Dust My Blues", el grupo Cream usó "Crossroads" en su album doble más vendido "Wheels of Fire", y Jeremy Spencer de Fleetwood Mac hizo una carrera basada en el dust-my-broom motivo. La ironía es que mientras esas bandas copiaban a Elmore James (y brindaban a su música una audiencia mayor) la mayoría de las canciones que ellos imitaban, derivaban en realidad de otros bluseros. También debería ser tomado en cuenta que la música de Elmore James motivó a los fanáticos del blues a ir más allá de él, y buscar a sus mentores e influencias.

Hoy ¿voy a cambiar?

2012-01-01T11:03:00.000-08:00

"No. 6
Moral. Mirada retrospectiva al año de 1846.

Según la opinión de todos los mejores y más sabios hombres, el día de Año nuevo es un día sumamente serio. Incluso aquel que en todo el año jamás asiste a la iglesia, en la mañana de Año nuevo, acostumbra ir a la iglesia; incluso aquel que nunca se detiene a reflexionar seriamente, cuando empieza otro año, tiene la costumbre de hacerlo. Si el periodo nada extraordinario en que cambiamos de servidumbre nos inspira muchos elevados pensamientos, ¡cuánto más no lo hará el día en que cambiamos de año! Y así como probablemente no haya una sola persona que al menos en algún momento de su vida no se haya dado una palmada en la frente y se haya preguntado: ¿qué es la verdad?, y en consecuencia, haya reflexionado sobre lo que es la verdad, de igual modo es poco probable que haya una sola persona -ni siquiera la más responsable- que en la mañana de Año nuevo no se haya sentido poseída por un estado de ánimo solemne y extraordinariamente serio." (Kierkegaard, Sören. Prefacios/ Muestrario de escritos. Traducción y estudio introductorio de Nassim Bravo Jordán. Universidad Iberoamericana, México D.F, 2011. Pág. 88-89)

Este fragmento, muy ad hoc para este día, forma parte del Muestrario de escritos (Skrift-Pröver) firmado por el buen A.B.C.D.E.F. Godthaab, una máscara más en el seudónimo museo de Kierkegaard. Dentro del carácter satírico del Muestrario... A.B.C.D.E.F. saca a colación ese anhelo de cambio con el que amanecemos el día de Año nuevo. Los animos de cambiar el rumbo y quemar las naves se despiertan con las primeras luces de este primer día del año. No es nada raro. Se entiende; si no cambiamos hoy... ¿entonces cuándo? No deberíamos asombrarnos por tener este tipo de actitudes, lo que sí deberia sorprendernos (y mucho) es la facilidad con la que mueren muchos de estos impulsos. La perseverancia no es un paliativo.

Porque después de todo, la intención NO es lo que cuenta.

Jeget en carne y hueso... mmmm o algo parecido.

2011-12-25T13:52:00.000-08:00

Amanecí afónico.
No es para menos, ya que durante un buen rato me estuve carcajeando en la helada intemperie de la noche de ayer.
¿La razón de mis carcajadas?
Pues una de mis hermanas (la más carrilla de todas) me regaló una fotografía mía en 3D hecha a base de trapos rotos y estropajos pintados a mano.

La estampa no es muy favorecedora, pero aun así no la puedo tachar de fantasiosa.
¡Genial!

Cosecha navideña

2011-12-24T14:21:00.000-08:00

Durante estas fechas navideñas a todos nos entran esos sentimientos de bondad y agradecimiento, y los músicos no son la excepción. Es por esto mismo que no está de más echar un vistazo a lo que nos ha dejado esta cosecha navideña. Hay que descolgar nuestros audifonos y ver si alguna Sexy Santa nos dejó algo en ellos.

Para empezar hay que hablar de aquellos que (al igual que muchos de nosotros) no se vieron tan espléndidos con los regalos, y (al igual que muchos de nosotros again) sólo se dignaron en mandar una tarjeta de felicitaciones. De cualquier forma se agradece el detalle.
Los Pixies fueron una de esas bandas que tarjetearon a sus fans. Enviaron unas felicitaciones por la Navidad y unos buenos deseos por "un exitante 2012", todo esto firmado por la familia "Pixies", así en general, como decir "Los González", "Los Contreras" o algo así. La tarjeta tiene poco de navideña, ya que es totalmente negra, con el mensaje escrito en tinta plateada. Buena combinación.

Otros que enviaron tarjeta digital fueron los compas de Coldplay.

Bueno, para matizar el asunto hay que decir que si bien los de Coldplay sólo enviaron la tarjeta, no son tan tacaños, ya que también tuvieron el detalle de rifar dicha tarjeta entre sus fanáticos. Así ya cambia la cosa. Una tarjeta autografiada por tu banda favorita, a mi parecer, es un excelente regalo. Para participar en la rifa sólo se debe enviar un correo electrónico, antes del 31 de Diciembre, a la siguiente dirección competitions@coldplay.com Para mayores informes ir a http://www.coldplay.com/

Pero la cosecha navideña no sólo arrojó puras tarjetas (agradezcámos por ello). Hay quienes se lucieron un poco más. Este es el caso de los Black Rebel Motorcycle Club. En su mail navideño nos dicen:
"Gracias a todos aquellos que fueron a las presentaciones y a todo lo demás de que hubo este año. Les vamos a regalar una canción llamada "The Absent". Lo sentimos no es una canción super feliz, pero eso no significa que somos tristones.
Feliz dia de "como a ustedes les guste llamarlo".
De nuestra parte paz, amor y todas esas cosas. Los veremos en el 2012.
BRMC

La canción la pueden descargar aquí:
http://www.blackrebelmotorcycleclub.com/press/holiday-download-2011-2.html

Y los mp3 de regalo siguen, ya que los Smashing Pumpkins liberaron en la red, a través de su SPRC, la canción Have Faithe, Be Merrie.

Y por último, pero no por ello menos importante, se encuentra el Ep de versiones alternativas que la cantante sueca Lykke Li ofrece como descarga gratuita.

Si bien The Lost Sessions Vol. 1 no es estrictamene un presente navideño, sino más bien un regalo que nace del deseo de Lykke Li de que tengamos algo para escuchar a todo volumen cuando las luces están tenues, aun así se nos invita a:

"P.D. Si lo deseas puedes regar esto en esas pequeñas olas de la Internet. Envíalo, quizás como un pequeño regalo o un amable presente lleno de besos. Lo que no te mata te hace más fuerte. VOL.1 (!!!!!!!)"

Para todo los interesados en recibir este regalo, sólo vayan a
http://lykkeli.com/

Después de repasar la lista...¡Bienvenidos los regalos!
Dejemos que por hoy nos invada esa actitud de cariño y amabilidad, al cabo nos quedan otros 364 días para ser mezquinos.
Una de cal por las que van de arena.

Arcade Fire estrena video interactivo de Sprawl II (Mountains beyond mountains)

2011-12-21T20:40:00.000-08:00

No quiero ni preguntarme por qué los hombres hemos llegado al

extremo de vivir como si todos hubiéramos nacido de un mismo vientre.

Un sastre tacaño/Plegarias de un inquilino.

Guillermo Fadanelli.

Ya era hora de revitalizar el concepto de "video musical".

Los chicos de Arcade Fire acaban de lanzar un proyecto sumamente inovador. Estos canadienses en conjunto con Vincent Morriset y amigos (así lo anuncian en la página) estrenaron un video musical interactivo. Dicho video está dedicado a la penúltima canción del disco The Suburbs (2010), es decir que las imágenes sirven de acompañamiento a la hechizante Sprawl II (Mountains Beyond Mountains). La pegajosa armonía de la canción en cuestión (calificada por algunos como Heart of Glass de Blondie a lo "indie") sirve de pretexto para que el director filme a Régine Chassagne en una serie de primeros planos, donde ella realiza unos movimientos como de hada con audifonos (movimientos que son su marca personal). Alternando los bailes de la jefa de Arcade Fire aparecen unos personajes de rostro borroso que también sacuden sus humanidades energicamente.

Hasta aquí la cosa no tiene nada de inovadora. Lo novedoso sale a relucir cuando se nos dice que cada uno de nosotros, como espectador y con ayuda de una web cam o del mouse, podemos hacer que los protagonistas del video sigan nuestros movimientos.

La tecnología del motion capture al servicio de la comunidad.

Para acceder a este interesante y divertido proyecto Arcade Fire y sus huestes han puesto en marcha la siguiente página web:

http://www.sprawl2.com/

Y con motivo de esta ocasión, no está de más darle una revisada a Sprawl II (Mountains Beyond Mountains), canción que condensa muy bien el leit motiv del tercer disco de los Arcade Fire, es decir: una oda a una juventud vivida entre las congestionadas, monótonas y desangeladas calles de los suburbios.

Aquí les dejo mi libre traducción de tan agridulce canción.

Disco: The Suburbs (2010)

Track: 15

Canción: Las afueras II (Montañas más allá de las montañas)

Duración: 5:26

Me escucharon cantando y me dijeron que parara/
Renuncia a esas cosas pretenciosas y sólo golpea el reloj/
Estos días siento que mi vida no tiene propósito/
Pero ya entrada la noche los sentimientos empiezan a emerger/
Porque en la superficie las luces citadinas brillan/
Están llamándome "¡Ven y encuentra a los de tu tipo!"/
A veces me pregunto si el mundo es tan pequeño/
Que nunca podremos escapar de las periferias/
Viviendo en las afueras, centros comerciales muertos se levantan
como montañas más allá de las montañas/
Y no se le ve final/
Necesito la oscuridad/
¡Que alguien por favor haga el apagón!/

Rodamos nuestras bicicletas hacia el parque más cercano/
Nos sentamo bajo los columpios/
Nos besamos en la oscuridad/
Me protegiste los ojos de las luces de los policias/
Oscuro río, tus citadinas luces brillan/
Nos gritan: "¡No necesitamos a los de su tipo!"/
A veces me pregunto si el mundo es tan pequeño/
¡Que nunca podremos escapar de las periferias!/
Viviendo en las afueras, centros comerciales muertos se levantan
como montañas más allá de las montañas/
Y no se le ve final/
Necesito la oscuridad/
¡Que alguien por favor haga el apagón!/

Me escucharon cantando y me dijeron que parara/
Renuncia a esas cosas pretenciosas y sólo golpea el reloj/
A veces me pregunto si el mundo es tan pequeño/
¿Qué nunca podremos escapar de las periferias?/
Viviendo en las afueras, centros comerciales muertos se levantan
como montañas más allá de las montañas/
Y no se le ve final/
Necesito la oscuridad/
¡Que alguien por favor haga el apagón!/
Necesito la oscuridad/
¡Que alguien por favor haga el apagón!/

Old Ideas: Nuevo disco de Leonard Cohen para Enero del 2012

2011-11-22T19:11:00.000-08:00

Y sigue la mata dando.
Apenas ayer escribía sobre Cohen, y hoy va de nuevo.

El día de hoy Sony Music Canadá anuncia lo siguiente:
Amigos, los rumores son ciertos: Old Ideas, el primer album de Leonard Cohen con material nuevo en ocho años, será lanzado el 31 de Enero del 2012.
Old Ideas será el doceavo album de Leonard con Columbia Records, desde que firmara con la marca en 1967.
Consiste en diez nuevas canciones, Old Ideas está poeticamente revestido con algunas de las más profundas preguntas sobre la existencia humana -espiritualidad, amor, sexualidad, pérdida y muerte.

El track list que se anuncia es el siguiente:
1. Going Home
2. Amen
3. Show Me The Place
4. The Darkness
5. Anyhow
6. Crazy To Love You
7. Come Healing
8. Banjo
9. Lullaby
10. Different Sides

La disquera anuncia que, además de las presentaciones regulares (CD, Digital, LP 180 gramos), Old Ideas se podrá pre-ordenar en una presentación especial, la cual viene acompañada por una litografía (digitalmente autografíada) que reproduce algo del trabajo artístico de Cohen. Esta presentación delux está limitada a 5500 copias, debidamente enumeradas.

Habrá que estar atento a estas New- Ten new songs.

Parecía decirme: "Eres un hombre viejo y no has dado las gracias"

2011-11-21T19:31:00.000-08:00

Me tope con el hermoso y sentido discurso de agradecimiento que Leonard Cohen dió cuando le entregaron el Premio Principe de Asturias 2011.

http://blogs.revistagq.com/milmaneras/2011/10/el-mas-bello-discurso-de-leonard-cohen/

Más que un discurso, lo que el señor Cohen ofreció esa velada fue una verdadera lección de humildad. No me refiero a esa idea peyorativa que hoy en día tenemos de la humildad, entendida como pobreza o carencia de recursos. No. Me refiero a la otra cara de la moneda. La humildad como carencia de soberbia (no soy, ni seré filólogo pero creo que debe ser el sentido original de la palabra).

Alguien con el curriculum vitae de Leonard Cohen, bien pudo subirse al podio y lanzar las debidas loas y los protocolarios agradecimientos a la academia y, con una falsa modestia, quitarse el sombrero para hablar de su obra (corto, corto, laaaargo, corto, corto, laaaaargo).

Pero no fue así. La frase que mejor resume esa falta de soberbia en Cohen es la siguiente:

Y la voz parecía decirme eres un hombre viejo, y no has dado las gracias.

Cohen dejó, literalmente, el sombrero en su silla y agradeció a quienes tenía que agradecer (lo poeta no quita lo cortés), pero sobre todo -he aquí lo importante- rindió homenaje a quienes en verdad se lo merecían. Los homenajeados fueron dos personajes; uno de ellos con nombre, apellidos y obra conocidos, y el otro con nombre, apellidos y obra desconocidos. El primero de ellos es el poeta granadino Federico García Lorca, mientras que el segundo personaje es un desconocido joven español que le enseño a Cohen sus primeros seis acordes de guitarra flamenca; acordes que el propio Cohen admite han sido: la base de todas mis canciones, de toda mi música (...)

La admiración que Leonard Cohen tiene por García Lorca es conocida. No es un secreto a voces que el canadiense encontró en la poesía del español su alma gemela literaria. Lo reitera en el discurso de aceptación. Cohen nombró a su hija "Lorca", y si eso no es admiración... entonces no se que otra cosa pueda serlo. Además en la obra del autor de Suzanne se pueden rastrear varios homenajes a García Lorca. Uno de estos ejemplos es la libre adaptación que Cohen hizo del Pequeño Vals Vienés de Lorca, adaptación que terminó titulandose Take this Waltz (Toma este vals) quinto track del Im your man (1988).

Además podemos traer a colación dos poemas que forman parte del corpus del Libro del Anhelo (2007, Editorial Lumen, España ).

El primero de ellos se llama La casada infiel (Págs. 153-154), poema que por pura intuición se sabe que está basado el homónimo firmado por García Lorca. Al igual que en Take this Waltz, en La casada infiel Cohen respeta ciertos patrones y líneas de Lorca, pero les inyecta tinta de su fuente.

Y así el lorquiano:
Y que yo me la llevé al río
creyendo que era mozuela,
pero tenía marido.
Fue la noche de Santiago
y casi por compromiso.

Se transforma en un "cohénico":
La noche de Santiago
Yo estaba de paso
Así que me la llevé al rio
Como cualquier hombre haría.

En ese mismo Libro del Anhelo, y ya por propía inspiración, pluma y convicción, Leonard Cohen escribe:

Lorca Vive.
Lorca vive en Nueva York
Nunca volvió a España
Se fue un tiempo a Cuba
Pero ha vuelto a la ciudad

Está cansado de los gitanos
Y está cansado del mar
No soporta tocar su vieja guitarra
Sólo tiene un tono

Supo que lo habían matado
Pero no, mira
Vive en Nueva York
Aunque no le gusta
(Pág 98)

En su discurso de agradecimiento Cohen admite que fue Lorca quien:

(...) me dió permiso para encontrar una voz, para ubicar una voz, es decir, para ubicar el yo, un yo que no está del todo terminado, que lucha por su propia existencia, y conforme me iba haciendo mayor comprendí que las instrucciones venían con esa voz.

Si hoy en día existe algo así como un texto, un poema, una letra -una voz- a lo Cohen, esta tiene una gran deuda con Lorca.

Pero la obra de Cohen no se agota en la pura voz, ya que ha encontrado una excelente compañera en la música. Si a Lorca le debemos la voz, ¿A quién se le debe la música?

Cohen lo expresa así:

Y por tanto ya había encontrado yo mi voz, pero no tenía el instrumento para expresarla, no tenía una canción. Y ahora voy a contarles muy brevemente la historia de cómo conseguí mi canción.

Es entonces cuando Cohen nos hechiza con la historia de aquel misterioso español que, sin necesidad de algún cruce de caminos ni de ningún contrato diabólico, en el Montreal de inicios de los 60´s educó a ese canadiense que aporreaba la guitarra en compañia de sus amigos.

La anécdota es amena, tierna y aleccionadora. Desentraña la inmensa admiración y agradecimiento que el poeta, novelista, músico, mujeriego, monje zen... pero sobre todo, el humilde Leonard Cohen siente por España. Es por esto que el discurso de agradecimiento termina así:

Todo lo que ustedes encuentren favorable en mis canciones, en mi poesía están inspiradas por esta tierra, y por tanto les agradezco enormemente esta hospitalidad que me han mostrado y que han mostrado por mi obra, porque es suya, y me han permitido poner mi firma en el final de la última página. Muchas gracias señoras y señores.”

La voz de Cohen resuena rasposamente española, y su guitarra llora dulcemente sonidos flamencos. Voz y guitarra. Si Lorca viviera (y como ya vimos Leonard así lo quiere creer) bien podría dedicarle a Cohen las siguientes líneas.

El niño mudo.
El niño busca su voz.
(La tenía el rey de los grillos.)
En una gota de agua
buscaa su voz el niño.

No la quiero para hablar;
me haré con ella un anillo
que llevará mi silencio
en su dedo pequeñito.

En una gota de agua
buscaba su voz el niño.

(La voz cautiva, a lo lejos,
se ponía un traje de grillo.)
(García Lorca, Federico. Canciones (1921 - 1924). Alianza Editorial, Madrid, 1999. Pág 128)

La guitarra.
Empieza el llanto
de la guitarra.
Se rompen las copas
de la madrugada.
Empieza el llanto
de la guitarra.
Es inútil
callarla.
Es imposible
callarla.
Llora monótona
como llora el agua,
como llora el viento
sobre la nevada.
Es imposible
callarla.
Llora por cosas
lejanas.
Arena del Sur caliente
que pide camelias blancas.
Llora flecha sin blanco,
la tarde sin mañana,
y el primer pájaro muerto
sobre la rama.
¡Oh guitarra!
Corazón malherido
por cinco espadas.
(García Lorca, Federico. Antología poética. Aguilar Editor, México 1977. Pág 46)

Reseña de Para un examen de sí mismo recomendado a este tiempo de Sören Kierkegaard.

2011-10-23T17:33:00.000-07:00

Para un examen de sí mismo recomendado a este tiempo de Sören Kierkegaard fue una de las las novedades que la editorial Trotta presentó durante este año, y no está de más darle un vistazo.

La obra de Kierkegaard, este ¿filósofo?, ¿ teólogo?, ¿escritor?, ¿poeta? danés se puede dividir de manera general en dos rubros: a) la obra seudónima b) la obra firmada con puño, letra, pero sobre todo con nombre propio. La obra seudónima es la que más se difunde y se lee. Textos como Temor y temblor y (sobre todo) El diario de un seductor se pueden conseguir sin ningún problema, en distintas presentaciones y formatos. Se encuentran al alcance de conocedores y no conocedores. De hecho estoy seguro que la gran mayoría de los lectores kierkergaardianos se inician (como fue mi caso) con textos seudónimos -aun cuando no siempre estemos al tanto del doble juego de Sören-. Vemos el apellido Kierkegaard en la portada y con eso nos basta para (creer) saber quien es el autor. La fiesta de disfraces que es la obra seudónima de Kierkegaard rara vez tiene -de manera accesible- una contraparte.

Aquí es donde entra a escena la edición de Para un examen de sí mismo recomendado a este tiempo que, a mediados de este año, lanzó la editorial madrileña Trotta. Este libro recoge tres discursos edificantes que Kierkegaard tenía planeado leer entre la primavera y verano de 1851, y que por cuestiones de salud (el danés estaba a cuatro años de su muerte) no pudo presentar en público. Entonces se cambió la estrategia. Si bien no se pudo interpelar directamente a un escucha, se optó por encarar a algún posible lector. Para lograr esto los tres discursos se agruparon en un sólo texto que vio la luz el 10 de septiembre del mismo 1851. El cambio de estrategia fue todo un éxito. Para un examen de... fue todo un suceso en ventas y se convirtió en uno de los textos más populares de Kierkegaard. De hecho este conglomerado de discursos fue uno de los pocos textos que Kierkegaard pudo ver re-editado (apenas al año siguiente de su aparición) en vida.

Pero este éxito editorial lo podemos encasillar como un suceso local y temporal a la vida del autor, ya que con el paso de los años, fue la obra seudónima la que cobró más fuerza y alcance. Los textos que cuentan con la rubrica del danés comenzaron a relegarse y a quedar como material solamente para interesados y conocedores.

Es por esto mismo que se agradece que una editorial tan respetada (pero también tan costosa) como Trotta se haya animado a publicar una obra religiosa (es decir no seudónima) de Kierkegaard a un precio accesible (ronda entre los 200 y los 170 pesos). Por una cantidad razonable (esto gracias a que el libro forma parte de la colección Mínima Trotta) se puede tener acceso a una edición y traducción de muy alta calidad, como a la que nos tiene acostumbrado Trotta, calidad que por cierto brilla por su ausencia en varias ediciones de obras seudónimas que rondan en el mercado.

Todo lo anterior se refiere al aspecto editorial del texto. En lo que respecta al contenido del libro, Kierkegaard despliega, sobre todo, dos cosas: Antes que nada hace gala de sus conocimientos sobre la Biblia, sobre el Cristianismo y la Cristiandad. Y así saca a colación, lo mismo a Martin Lutero que a algún pasaje oscuro de la Palabra o algún himno religioso perdido en la memoria de las Iglesias danesas. Pero además Sören echa mano de su estilizada, elegante y cautivadora prosa; prosa que lo hace digno del mote de "Digter" que en danés se refiere a aquél que escribe poéticamente, aun cuando nunca haya escrito un poema per se. Estos dos elementos (conocimiento religioso y prosa poética) son el signo distintivo de los tres discursos edificantes que dan cuerpo a Para un examen de...

Si bien la punta de lanza es lo religioso, el aspecto filosófico de Kierkegaard también aparece, pero entre lineas. Así podemos rastrear la cuestión de lo subjetivo contra lo objetivo (piedra angular en el pensamiento kierkegaardiano) en todo el libro, pero de manera especial en el primer discurso dedicado a reflexionar sobre la Epístola de Santiago 1,22. Ahí Kierkegaard habla, entre otras cosas, de como lo importante de La Palabra es su aspecto subjetivo, es decir que La Palabra interpela al lector, es espejo donde el individuo debe mirarse a sí mismo. Pero, pero... Kierkegaard ve que este talante subjetivo ha perdido su lugar ante los embates de lo objetivo, del comentario erudito y la interminable exégesis, que termina por confundir al lector y lo hace mirar el espejo como un objeto. Entonces el individuo ya no mira su reflejo sino que enfoca su atención en el puro espejo.

En el segundo de los discursos (Kierkegaard renegaría ante la palabra "sermón) dedicado a meditar sobre Los Hechos de los Apóstoles I 1,-11, podemos olfatear otro de los tópicos clásicos de Kierkegaard: su división entre lo que es el Cristianismo y su degradación, la Cristiandad. En este texto Sören hace hincapié en que Cristo, y con él el verdadero Cristianismo, es el camino angosto. Esto quiere decir que el camino cristiano está marcado, antes que nada, por el compromiso vital (lo religioso compromete, he ahí que su talante sea la seriedad) y por esto es que la incomprensión, la burla y la tentación siempre estarán rondando la vida del individuo singular. Para Kierkegaard a esta estrechez de camino se le ha encontrado un atajo: La Cristiandad. Ya no es necesario recorrer el camino angosto lleno de Temor y Temblor, porque el Cristianismo se convirtió en una cuestión de Estado. Una religión oficial, donde todos nacen cristianos, piensa Kierkegaard, es una autopista moderna, segura y con vista al mar que no lleva a ningún lado.

El último de los textos (el más corto de los tres) es el que a mi parecer ofrece más material filosófico para diseccionar. En este último discurso Kierkegaard tiene como motivo el día de Pentecostés y Los Hechos de los Apóstoles II 1, -11. A partir de este doble motivo Kierkegaard, después de hablar de la fe como morir -al mundo, habla de como el espíritu del mal se presenta y se despliega de diversas formas: aparece como el espíritu del mundo, el espíritu del tiempo y el espíritu de la humanidad. Hegel y su zeitgeist y su autoconciencia en despliegue duermen en el entrelineado de este discurso. Kierkegaard ve como un extravío (una pérdida de elevación) el que la humanidad se piense parte de un proceso teleológico racional que ella misma comanda. Para Kierkegaard dicho extravío es equiparable al de unos caballos de buenas maneras y excelente raza, a los que les falta quien los sepa conducir. Dice el danés:

Así sucede con nosotros los hombres. Oh, cuando pienso en mí mismo y en los muchos que he conocido, a menudo me he dicho con tristeza: aquí hay talentos y fuerzas y condiciones suficientes -pero falta el cochero. (Pág. 107)

En la introducción del libro (pág 15), Andrés Roberto Albertsen (titular del equipo de traducción) nos dice como Eduard Geismar (un respetado estudioso de Kierkegaard) ve en Para un examen de... un compendio del pensamiento kierkergaardiano. Como bien dice el propio Albertsen dicha afirmación es decir mucho, sin decir nada. Si bien es cierto que dentro de los tres discursos se encuentran desperdigados muchos tópicos del pensamiento de Kierkegaard, estos se encuentran muy subordinados al estilo y motivo central de los textos: la predicación. Si quisiéramos moderar lo dicho por Geismar, podríamos decir que Para un examen de... es una muy buena introducción al aspecto religioso de Kierkegaard. Y aun así seguiríamos sin decir gran cosa. Por ahora dejemos las exageraciones a un lado. La mejor manera de rendir tributo a un autor, sigue siendo la invitación a leerlo.

Kierkegaard, Sören. Para un examen de sí mismo recomendado a este tiempo. Trotta, Madrid, 2011. 109 Págs. Traducción directa del danés, introducción y notas de Andrés Roberto Albertsen en colaboración con María José Binetti, et al)

Manualidad de Jeget # 4: Periodo refractario = Muerte súbita

2011-09-30T20:05:00.000-07:00

Mujer- Oye, ¿y qué onda con eso?

Hombre- Mmmmm. No vayas a empezar. Recuerda la última vez: tardé como media hora buscándolo, y nada más no lo podía encontrar. Por eso hoy no me lo quité. ¿En verdad te molesta tanto?

M- No, no, ese no. Yo estoy hablando del meñique.

H- ¿Del chiquito?

M- Sí… del chiquito.

H-……

M- ¿De que te ríes?

H- Ya ves que yo soy un mentiroso, y que todo lo que digo es mentira. Pensab…..

M- Eso es lógicamente imposible.

H- Me caga cuando lees a Russell. Bueno, estaba pensando en que si fuera más gandalla te podría inventar una superhistoria sobre la herida de mi dedo meñique, y te la creerías toda.

M- ¡Ja! Eso si que lo quiero ver… oir, oir, oir. Desembucha.

H- Pues mira, lo que pasa es que la otra noche –ya en la madrugada- me despertaron unos ruidos extraños, que provenían de la recamara de Sarahí.

M- Buen inicio, buen inicio. Muy común, pero con gancho.

H- Sigiloso como soy, me deslice hacia la recamara de mi hija. Abrí lentamente la puerta, para así no hacer ruido.

M- ¡Eso no es cierto! Es totalmente lo contrario, cuando abres lentamente la puerta, hace más ruido. Rechinan todas y cada una de las bisagras. ¿Si lo has notado?

H- Sí, sí, sí. Pero dame un poco de licencia poética mija. ¡Te digo!

M- Ok, concedida la licencia poética. Ya puede usted dejar de laborar en la poesía informal.

H-Jajajajajajajaa. Esa si que estuvo buena. Bueno, bueno, ya. La puerta no sonó, y ya… Ok. Empecé a querer vislumbrar algo entre la espesa negrura que inundaba aquella recamara. Pude sentir como mis pupilas se abrían al máximo. Lo primero que llamó mi atención fueron dos puntos brillantes que, ascendían lentamente por –ya mirando fijamente- uno de los laterales de la cuna de Sarahí.

M- Vaya. ¿Y?

H- Ya totalmente instalado en mi visión nocturna –Night shot para los conocedores - pude ver exactamente lo que eran aquellos dos puntos: eran el brillo que desprendían los ojos de una enorme rata. Grande, gorda y grisácea (como las tres “B”… pero en “G”) pero del gris más gris que exista entre los grises. Era opacamente parda.

M- Porque de noche todas las ratas son pardas.

H- Así es. Tenía incompleta la oreja izquierda. Y sus gruesos bigotes sólo eran opacados por dos inmensos dientes que sobresalían de su labio superior. A pesar de la oscuridad, se podía seguir la sinuosa línea que trazaba su larga y rosada cola (porque era de color rosa, aclaro). Era u-n-a r-a-t-a. Que digo “rata”, era una rrrata.

M-Era LA IDEA de rata subiendo por uno de los costados de la cuna de tu hija.

H- Me caga cuando lees a Platón. Pues sí, era LA rata, y por lo visto tenía en mente hacerle daño a mi hija. Y yo, como padre celoso que soy, no lo iba a permitir. Así que me abalance sobre ella y con todas mis fuerzas la agarre del cuello.

M- Mmmmm ¿Las ratas tienen cuello?

H- Esta sí, y vaya cuello. En cuanto sintió mi sorpresivo ataque, ella también atacó. Y para no desentonar, con dos de sus patas también me tomo del cuello. No te burles, las ratas son el equivalente actual al Tiranosaurio Rex. Y lo digo porque esta rrrata me apretó con mucha fuerza.

Forcejeamos y caímos al suelo. Como pude la saqué del cuarto de Sarahí y nos enfrascamos en una ardua pelea en el pasillo. Yo la sometía y ella respondía. Ella me chillaba enseñándome sus enormes dientes, y yo le chillaba enseñándole los míos.

M- ¿Y ni así se rindió? Digo, aquí entre nos, no tienes una dentadura muy agraciada querido.

H- Así de aferrada era la rrrata. Llegó el momento en que todo parecía perdido. Ella estaba encima de mí, y tenía la victoria en sus poderosas patas de Tiranosaurio Rex. Pero, de pronto, recordé que siempre duermo con una trampa para ratas (ACME) en uno de los bolsillos de mi pijama.

M- Huyyyyy, eso si que es peligroso. ¿Qué no te da miedo de que en la madrugada pesques algo más que una rata? Como se nota que no aprecias tu hombría.

H-Así de temerario soy. Mi segundo nombre es Peligro.

M- Te conozco desde niño y se que no tienes segundo nombre.

H- Pues desde esa noche lo tengo; y es Peligro.

M- Ok, ok. Y que más pasó Mr. Danger. Síguele.

H- Recordé la trampa de mi bolsillo, y en un movimiento rápido la saqué y….

M- Hey, hey, hey. Haber, haber, no que tenías tus dos manos en el hipotético cuello de la rrrata. ¿Cómo sacaste la oportuna trampa para ratas? Explicame eso Monseiur…. Danger.

H- ¡Ja! No sabes como se dice “peligro” en francés. Se dice…. Ok yo tampoco lo sé, pero ese no es el punto. Y en lo que respecta al asunto de mis manos y la trampa, sólo te pido que leas ocho diálogos arriba. Ya casí, ya casí…. Ahí parate. ¿Si ves donde dice “todo parecía perdido”? ¿Sí? Pues eso quiere decir que yo estaba totalmente siendo abatido por la rrrata. Y eso quiere decir que me encontraba desfallecido, con indicios de desmayo, y con unos –muy en ciernes- signos de un estado comatoso. En resumen mija: mis inertes brazos caían por mis costados. Ipso facto… estaban libres. OK

M- Ok, ok, ok. Muy dramático y fantoche, pero coherente. Prosigue.

H-¿Prosigue? Por qué no mejor sólo “sigue”, bueno allá tú. Mmmmm, ya, ya, ya. Saqué la trampa para ratas del bolsillo de mi pijama, y sacando fuerzas de flaqueza, hice un movimiento rápido con el cual le puse a la rrrata la trampa como cinturón. El chillido fue desgarrador.

M- ¿Y eras tú o la rata?

H- Por su puesto que la rata. Elemental querida, e-l-e-m-e-n-t-a-l. En ese mismo momento sentí como las patas de la rata ya no ejercían en mismo poder sobre mi cuello. Caímos los dos en cámara lenta. Pero, aun suspendida en el aire – y como despedida- la rata alcanzó a morderme el nudillo del meñique. Caímos totalmente al suelo, y ya en el piso, pude ver como la rrrata saltaba por la ventana que da hacia el patio, llevándose un muy molesto ula-ula como regalo de mi parte.

M- ¡Vaya! Esa sí que es una historia que me hubiera tragado en-te-ri-ta-…

H-SHHHHHHHHHHHH. Haber, recuérdame en que momento dije: “fin”. No verdad, no lo dije. Entonces por qué me interrumpes. ¡Te digo!

Con todo el barullo que habíamos armado, la rrrata y yo, despertamos a mi mujer. Salió de nuestra recamara, sumamente asustada y me dijo: “Escuche como que te estabas peleando con una rrrata”

Y le dije: “Así es mi amor, así fue”

Y me contestó: “Mira tu meñique. Estas herido. Debemos ir a urgencias. Rápido, despierta a la niña.”

M- Vaya siempre se preocupa por ti. Y ya en urgencias ¿qué paso?

H- Pues me atendió un doctor con un semblante sumamente serio. Le explique lo ocurrido: los ruidos, la oscuridad, la cuna, la rrrata… yo. Y me dijo: “Mmmmm, “mordedura de rrrata” lo siento amigo, pero usted tiene la Peste negra.” Y yo –ya instalado en la etapa de negación- le dije: “No, no lo acepto. Quiero una segunda opinión.” Y me dijo el doctor: “Ok. Usted tiene la Peste negra… y además está muy feo”.

M- Jajajajajajajaja ese es clásico. Nunca falla ¿verdad?

H-Jajaj no, no nunca falla.

H &H- ¡Callense! ¡No dejan dormir!

M- ¡A dormir a sus respectivas casas! ¡No se hagan pendejos!

H- Ya, ya, ya. Tú tienes la culpa. No te rías como si estuvieras en tu casa.

M- Precisamente, PORQUE NO ESTOY EN MI CASA, es que me rio así.

H-Ok, ok.

M- ¿y? qué ya se acabó. Fuiste a pedir una segunda opinión, y entonces….

H- Deje al doctor de semblante serio hablando solo. Mientras salíamos corriendo (mi esposa, la niña y yo) de ese hospital, el doctor me gritaba un montón de bibliografía para consultar sobre la Peste negra. Inclusive creo que le escuche mencionar uno o dos discos de Black Metal. Pero bueno, fuimos en busca de una segunda opinión, y llegamos al consultorio de un doctor con semblante…. más amable. Le explique to…

M- sí, sí, sí…. ruidos, sombras, rrrata y tú. ¿Y? adelante caminante. Muévete como hace rato.

H- Ok, ok. El doctor amable me revisó, me abrió los ojos, la boca, tú sabes: lo de rutina. Después de tomar algunas notas, muy amablemente me dijo: “Hay discúlpeme, pero… usted tiene rabia”. Eso me sonó más lógico (rrrata VS hombre), más cotidiano, pero aun así respingué: “No, no lo acepto. Quiero una tercera opinión” Y el doctor amablemente me dijo: “Usted tiene rabia, es muy feo… ¡hay! pero huele bien rico!!”.

M- Jajajajajajajaja. Síguele buscando, síguele. Recuerda que el que busca… encuentra.

H- Este doctor me dio más desconfianza que el otro. Y no por lo amable, sino por mentiroso. Digo, tú sabes de las rencillas que tengo con los desodorantes. Ellos no me caen bien, y ni yo a ellos. Mejor de lejecitos.

M- Lo sé, lo sé, lo siento y lo huelo. ¡Ja! Touche.

H- Exacto. Total, dejamos atrás al doctor amable, y ya en nuestra desesperación fuimos a caer con una botarga del doctor Simi. Antes que nada, me mostró su titulo, cedula profesional y curriculum viate. Y sí, si estaba autorizado para ejercer la botargiología. Me osculto… ruidos, rrrata, bla, bla, bla

M- Ándele, que le cuesta.

H- … y me dijo: “Usted tiene una simple herida en su meñique. Con un curita basta.” Le dije a la botarga: “Hasta que encuentro a un profesional sensato. Eso sí lo acepto”. Entramos a la farmacia donde estaba la botarga –me imagino que él era el dueño. Digo se parecía mucho al dibujito que estaba en todos los frascos- pedí un curita pero….

M- ¿Qué?

H- No tenían. No había curitas.

M- Noooo, que desgracia. ¡Oh la humanidad!

H- Lo sé, lo sé. No tenían curitas, pero lo bueno que tenían muchos monaguillitos en bodega. Así que para compensar compré diez y me los puse. Y hasta ahorita, la herida está sanando muy bien. ¿Ves? Ya está cicatrizada.

M- ¡Dios bendiga a los monaguillitos! Que no son lo mismo…

H&M. … ¡pero son más baratos!

MM&H- ¡Que se callen… qué no entienden!

M- Huyyyy que pesados. Oye ya fuera de broma… ¿qué te paso en el meñique?

H- El domingo pasado me puse a pintar el patio, y no me di cuenta de que el cepillo tenía una rebaba de plástico en el mango. Así que con cada pintada que daba, me lastimaba el meñique. Cuando menos pensé, ya tenía una ampolla en el nudillo. Se reventó y… pues después cicatrizó.

M-……

H-…….

M- Mmmmm, sabes mejor que quedo con la rata.

H- Si verdad, es más interesante.

M- No, no me refiero a esa rata. Estaba pensando que mejor no me voy a divorciar de mi marido. Ha como están las cosas, y ha como ando ahorita. No, no quiero más broncas. Mejor le seguimos así, ¿no?

H- Mmmmm, eso es aun más interesante.

M-…….

H-………………

M-……………………

H-………………………………

M- Qué… ¿ya?

H- ¡Zas! Va de nuez.

________________________________________
Shhhhhh, shhhhhh, hey, mejor dejamos solos a nuestros amigos. Porque si el uno es el número más solitario… el tres es el número más incomodo. Además, en una noche como esta ha de haber cientos de otras cosas que mirar. Quizás, hasta más interesantes.

Por ejemplo, allá en la ventana de aquella casa. Sí, la última de la esquina. La que está pegada a la barda perimetral del coto. Se ve que alguien está en la sala mirando el televisor. Es un tipo, mmm... nada fuera de lo normal. Común como todos (por eso mismo se dice “comunitario”), como tú, como yo, como nosotros. ¿Quién demonios ve infomerciales a esta hora? O una de dos: o en verdad está interesado en comprar un quemagrasa –aun cuando es muy delgado, demacrado diría yo-, o está esperando a alguien. Por la forma tan rabiosa en que dice: “posada… ¡posada madres! Esta pinche vieja me va a oír”, podemos deducir que espera…. a su tía. Así de perspicaces somos ¿verdad? Pero vamos, una escena así es muy cotidiana. Busquemos algo más.

Que les parece allá arriba. En aquella ventana del segundo piso. Si nos subimos en la rama de este árbol podemos husmear mejor. Según me contaron, en este árbol fue donde algunos años atrás se apareció la Virgen. Se manifestó en forma de polilla. ¡En serio! Después de dos semanas de iniciada la plaga, la podrida madera se asemejó a la Virgen de Fátima, después a la Virgen de Zapopan, después a la Virgen María, y por último a Carlos Salinas de Gortari. Ahí se acabó la fama. Ya saben como es la gente, nunca perdona. Pero bueno sólo les digo esto para que tengan cuidado al pisar, porque este árbol ya tuvo polilla.

Ok, ya aquí podemos ver mejor. Haaaa esto pinta para estar bueno. Si ven las dos lucecitas rojas de aquella esquina. Síganlas con la mirada. Parece que suben por…. sí, sí amigos, es una cuna.

Jeget den Enkelte.

08/01/2010

El hijo único de la banda que NO fue: Sangre Asteka (1991)

2011-09-25T11:41:00.000-07:00

Entre los discos míticos del rock mexicano bien se puede contar el debut homónimo de Sangre Azteca. Mítico por varias razones; la primera se refiere a que fue una producción que marco senderos que a la postre, serian sumamente transitados. El, hoy en día tan explotado, binomio de acordeón y guitarra eléctrica en el rock mexicano tiene una deuda enorme con la dupla conformada por Humberto Álvarez y José Manuel Aguilera (acordeonista y guitarrista respectivamente). Además de su característico, novato y primigenio sonido, el disco debut de Sangre Asteka es una pieza importante para entender la evolución del buen Aguilera y su barranqueño sonido. Para los que somos fanáticos de la música que emana y hace eco en La Barranca, es muy grato y sorprendente escuchar en vivo una rola como Tonantzin, (parte del disco Sangre Asteka).

Otra buena razón que hace de esta producción un objeto de culto, y que aunque respaldada por lo musical, obedece más a ese espíritu del coleccionista, es que el disco fue editado una sola vez y desde ahí ya no ha vuelto a aparecer. Urge una re-edición delux de esas que abundan en los catálogos extranjeros, y que por desgracia brillan por su ausencia en el rock nacional… ¿dónde están las disqueras cuando se les necesita? ¿Is there anybody out there… out there..?

Es curioso que aun hoy, en plena crisis del disco y de los formatos físicos en general, las discográficas nacionales no se den cuenta del potencial comercial que tiene la veta de las re-ediciones. Si bien es cierto que los llamados clásicos nunca dejan de estar disponibles en las tiendas, estos productos son meras re-impresiones (copias a la calca) que no ofrecen nada nuevo al escucha. Mientras en el extranjero aparecen varias re-ediciones con material interesante a la semana, aquí no sucede así. Se antoja un día ver anunciada una re-edición de Sangre Asteka que recoja rarezas como esta: Huellas en el Desierto. Verdadera reliquia tomada del usuario de Youtube ELLUISINHO32.

Dentro de las páginas que dan cuerpo al libro La vida en la Barranca de David Cortés hay un capitulo (pág. 31- 44) dedicado a trazar el contexto en que se gestó el disco Sangre Asteka. En dicho capítulo el autor nos dice que Humberto Álvarez y José Manuel Aguilera se conocieron por medio del baterista César “Perico Calderón; quien era compañero de Álvarez en el grupo Música y Contracultura (MCC). Después de esta presentación José Manuel y Humberto se toparon en una exposición, y fue ahí donde se comenzó a hablar de la posibilidad de crear música juntos. Humberto Álvarez ya tenia experiencia dentro del estudio de grabación, ya que unos años atrás se había encargado de tocar los teclados en el disco de la banda Casino Shanghai. Por su parte José Manuel Aguilera tenía dentro de su currículum vitae, el haber sido parte de bandas como El Fracaso (que en su nombre llevaba su penitencia) y del trío Fragmentos. Ninguna de las dos bandas logró dejar algún disco como evidencia de su existencia. Entre la dupla de Álvarez y Aguilera, este último era el novato.

David Cortés hace ver como, paradójicamente, el arribo de José Manuel Aguilera se dio en el momento en que Sangre Asteka estaba por disolverse, pero al mismo tiempo, la llegada del novel guitarrista daría el suficiente impulso como para que la agrupación pudiera sacar un único disco a la luz. Ya con un disco bajo el brazo Sangre Asteka dejaría de existir. La historia de Sangre Asteka bien podría titularse “La banda que no fue”. Renació rápidamente para morir de manera fugaz y dejar tras de sí un hermoso cadáver.

Esta intermitencia en la vida de Sangre Asteka se ve de manera más clara cuando se pasa lista a los integrantes que pasaron por sus filas: en primer lugar tenemos que nombrar al amo y señor del nombre y concepto del grupo: Humberto Álvarez. Después debemos darle su merecido lugar al que impulsó y mucho ayudó a crear ese sonido tan distintivo y arriesgado de Sangre Asteka; me refiero a José Manuel Aguilera. Estos dos tipos fueron la base “fija” de aquella banda, pero entre su nómina también se cuentan a los bateristas Tizoc Briceño, Federico Luna, Bola Domene y Julio Morán, a los bajistas Lorenzo “El Pollo” Lagrava, Federico Fong y Daniel Soberanes; la novia de este último, Alda Reuter toco las percusiones durante un tiempo y a Ron Barlett, quien aunque era un músico de estudio en San Diego, terminó por tocar la batería durante la grabación del disco debut.

Grabado en los recién fundados estudios Signatura Sound (propiedad de Luis Arteaga, otro Fracasado como Aguilera) durante Abril y Junio de 1990, teniendo como base la música y las letras de Álvarez y Aguilera (cuatro canciones del acordeonista, tres del guitarrista y cuatro firmadas a la par), y como acompañamiento la batería de Daniel Soberanes, las percusiones de Alda Reuter y la batería del músico de estudio Ron Barlett , Sangre Asteka (el disco) vio la luz en 1991 (¿o en 1990?).

En el libro La vida en la Barranca David Cortés habla de que la producción fue editada en 1991 por la disquera Opción Sónica, mientras que en el Catálogo subjetivo y segregacionista del Rock Mexicano Antonio Malacara Palacios le pone fecha de 1990 y además lo pone dentro del catálogo de la disquera independiente Lejos del paraíso; aunque afirma que sólo apareció en formato de CD.

Por mi parte puedo decir que yo tengo el debut de Sangre Asteka en formato de casete y viene etiquetado como parte del catálogo de Lejos de paraíso (código CGLP 011 – 1991) Además de la confusión de fechas y disqueras, tanto David Cortés como Malacara Palacios citan un tracklist que difiere de la presentación en casete que yo tengo. Esto me hace pensar que tanto Cortes como Malacara citan la versión en CD aunque uno la atribuya a la disquera Opcion Sónica y otro a Lejos del paraíso (el primero dice que del 91´, el segundo que del 90´) En lo personal (sobre todo por las fechas de grabación) me inclino más a pensar que la primera edición de Sangre Asteka debió de lanzarla Lejos del paraíso en CD y en casete en 1991 (y no en 1990 como lo dice Antonio Malacara) para después ser re-lanzada por Opción Sónica, una disquera con un poco más de presencia comercial.

El tracklist del Cd es: Cuauhtemoc, Hay otros mundos, La resistencia, Basta ya, Como se cura, Cholos, Tonatzin, Inesperado, Nos armaron de valor, Al ras y cierra con Polca chilanga.

Por su parte el casete avanza de la siguiente manera:

Lado A:

Cuauhtemóc, Hay otros mundos, Como se cura, Basta ya, Tonantzin.

Lado B:

Nos armaron de valor, Cholos, La resistencia, Polca chilanga, Inesperado, Al ras.

Para cuando el disco homónimo de Sangre Asteka estuvo rodando en las calles, la banda prácticamente ya no existía. Después de una fugaz participación de Federico Fong en el bajo, se reunió una última formación con Daniel Soberanes, Alda Reuter y el baterista Julio Morán, para sacar adelante algunos compromisos; después de eso ya no hubo nada más. Sobre los motivos de la ruptura, además de la poca cohesión en sus miembros, David Cortés cita a José Manuel Aguilera:

Pero la situación se vuelve insostenible y finalmente desaparece la banda, dejando como legado un disco: “Las condiciones externas siempre pesan en este país porque no están diseñadas para alentar la existencia ni de los grupos, ni de la música, ni de los músicos. En el caso de Sangre Asteka había dos problemas, uno de índole personal y otro musical, que finalmente fueron irreconciliables. De un lado, Humberto ya no quería vivir aquí, lo cual complicaba mucho la situación, incluso ya no quería tocar, concretamente no quería tocar rock, que esa era la otra parte irresoluble del conflicto, yo sí quería seguir tocando rock, quería seguir haciendo música, quería seguir en la onda de hacer una banda” (pág. 43 – 44)

Humberto Álvarez ya no quería tocar rock, y de hecho no lo hizo; por el contrario se fue por una vertiente totalmente ajena al sonido de lo eléctrico. Se enfrascó en una búsqueda que lo llevó a descubrir la Sonoterapia. En su página oficial http://humbertoalvarez.com/ nos da una pequeña muestra del fascinante trabajo que realiza en estos momentos, trabajo que lo mismo abarca música, poemas, talleres y cursos.

Por su parte José Manuel Aguilera quería formar una banda y en el camino para lograrlo dejó un legado de excelente música repartida entre distintos proyectos y en varios discos como Odio Fonky. Tomas de buró, el Rain of Fire del multicultural Nine Rain y el Equilibrio de los Jaguares. Para entender la propuesta de La Barranca hay que pasar revista a todos estos discos, pero igual de importante es escuchar atentamente la propuesta, un tanto amateur tanto en grabación como en ejecución, del debut homónimo de Sangre Asteka.

Aquí les dejo la versión digital del casete Sangre Asteka (Lejos del Paraíso, 1991)

http://www.mediafire.com/file/54dabxxuqd2huhk/Sangre%20Asteka%20%281991%29.rar

El Chacal agoniza en París: Villagers en vivo desde La Maroquinerie.

2011-09-18T15:02:00.000-07:00

Anunciado como uno de los final dyings breaths of the Jackal, se encuentra disponible el concierto que Villagers ofreció en La Maroquinerie de París, el pasado 11 de Abril del 2011. La presentación que Conor J O´Brien y sus huestes dieron esa noche fue filmada bajo la dirección de Stéphane Douillard, para después ponerla a disposición de todos nosotros por medio de la página de Youtube de Le Hib00.

http://www.wearevillagers.com/2011/08/02/villagers-in-concert-at-la-maroquinerie-paris/

El set de esa noche se filmó en un clásico, pero efectivo, blanco y negro. Una combinacion que ayuda a resaltar la intimad del evento. Con unos Villagers casi a ras de piso -sólo a medio cuerpo arriba de los espectadores- y con un excelente estado de animo, la casi hora y media del concierto fluye de manera natural. El repertorio de la noche está compuesto por casi toda la oncena de canciones (excepto That Day) que dan cuerpo al debut de Villagers: Becoming a Jackal (2010, Domino Records). Además de que se pasa revista a Down Under The Sea y On A Sunlit Stage (esta cierra la noche por cierto) canciones que pertenecen al Ep Hollow Kind y a un sencillo, respectivamente.

El repaso que, aleatoriamente, los Villagers dan a su debut del 2010 es muy bueno. El en vivo de The Meaning Of The Ritual supera esta tensa calma que suena en el Cd, y lo hace recurriendo a un cierre más intenso donde la voz en falsete de Conor se contrapone a un sintetizador que emula el sonido de un juego de cuerdas. Por su parte Home recibe un tratamiento más eléctrico; algo a lo que los asistentes responden muy bien. Entre las canciones que no se alejan tanto del sonido y de los arreglos con los que fueron gradadas, podemos contar a Twenty Seven Strangers, Set The Tigers Free ("esta es una hermosa canción" dice O´Brien), I Saw The Death (con Conor al piano), Pieces y Becoming a Jackal -aquí si me hubiera gustado un enfoque más explosivo, algo que ayude liberar la furia que, a mi parecer, reside en la canción-.

Además de lo musical, el concierto está lleno de detalles que lo hacen aun más agradable. Están presentes todas esas pequeñas cosas que marcan la gran diferencia entre lo qué es la música grabadaen estudio y su ejecución en vivo. Esa noche de Abril en La Maroquinerie de París está plagada de cosas como el apresurado cambio de afinación en las guitarras entre canción y canción, o de esas partes de la letra que se cantan lejos del micrófono y que suenan como si las entonara la persona más alejada del escenario. También podemos ver la interacción entre O´Brien y el público -siempre pensé que el multi-instrumentista era un poco más reservado-, así escuchamos como se disculpa con los asistentes y, en un decente francés, les dice que se encuentra enfermo. El buen humor del cantante contagia a los fanáticos, y les arranca las risas con presentaciones como: "Esto es lo más cerca que jámas estaremos de Buddy Holly"; entonces comienza a sonar The Pact (I´ll Be Your Fever). Si bien es cierto que la experiencia de la presentación en vivo nunca es completa, ya que el concierto lo vemos en la comodidad de nuestro hogar y no en un pequeño club, aun así el director Stéphane Douillard logró captar la intimidad de este foro parisino.

Si la intimidad captada en video y el repaso a los clásicos de la banda no fueran suficientes incentivos para darle play al concierto, entonces para los que ya somos fanáticos de este grupo-proyecto-solista de Conor J O´Brien, tenemos el plus de que el concierto es engrosado con un puñado de canciones un poco más desconocidas y otras nuevas. El concierto abre con Cecelia And Her Selfhood, canción de corte intimista, y que durante un poco más de la mitad de su duración es cantada a capella; para cerrar acompañada solamente por un tímido rasgueo de guitarra.
Las novedades siguen apareciendo. Para el cuarto número de la noche O´Brien le dice a su cautiva audiencia (que también somos nosotros) que "esta es una nueva canción": llega The Bell. Novedad por donde quiera que se le escuche. La canción deja ver el lado más salvaje de Villagers, ya que aquí el empuje de lo eléctrico toma la batuta, mientras que lo acústico queda relegado a mero acompañamiento -algo totalmente opuesto a la dinámica que guía Becoming a Jackal-.

Después de una excelente ejecución de Ship Of Promises, ejecución que aunque apegada al sonido del Cd, deja salir la actitud más rockera de la banda, llega el encore. Para acallar los aplausos de los asistentes (a diferencia de México, allí nadie grita ¡Otra! ¡Otra!, ni corean un afrancesado ¡Villagers! Oe, oe,oe,oe) Conor sale acompañado de su guitarra y toca Memoir. Esta canción fue escrita por el lider de Villagers, pero vería la luz cinco días después de ese concierto (hasta el 16 de Abril) en voz de la francesa Charlotte Gainsbourg en un 7" que esta mujer compartió con O´Brien.
Acto seguido... mmmm ni tan seguido, ya que el comienzo de In A New Found Lad se ve interrumpido, primero, por la cegadora luz de un flash y después por los mocos y el sudor del buen Conor J. Ya por fin en marcha, la nueva canción In A New Found Land sigue con la tónica de Memoir, es decir, ese folk susurrante que le conocemos tan bien a Villagers, y del cual hizo gala el pasado 11 de Marzo en la corta sesión que grabó para la página Daytrotter.
http://www.daytrotter.com/dt/villagers-concert/20040448-37382429.html

Como ya se había dicho el cierre de la velada se auncia con la nota final de On A Sunlit Stage, y llega con el último aplauso de los afortunados que estuvieron presentes esa noche. Como veo aun muy lejano que Villagers se presenten en este lado del mundo, sólo me queda dirigir el cursor hacia donde una flecha le juega a ser vibora, y trata de morderse su propia cola mientras grita "Replay".

Alonso Arreola whit a little help from his friends: Las Transfusiones de Cruento (2011)

2011-09-16T16:45:00.000-07:00

Este disco es gratuito.

Cópialo, regálalo, súbelo a Internet.

No te olvides de mencionar a su autor y beneficiarios.

Esto se puede leer en el interior del digipack que sirve de morada al Ep Las transfusiones de Cruento del gran bajista Alonso Arreola. Así que sigamos las instrucciones.

Esta producción fue una de las cosas que me dejó la pasada primera edición de la Feria Internacional de la Música, que se llevó a cabo acá en Guadalajara. El Cd me lo regalaron en el stand de la disquera Intolerancia (sello que edita este mini-disco) cuando compre otros productos de su catálogo. Una adquisición que no esperaba, y por ello mismo es que me entusiasma aun más su calidad.

El trabajo que Alonso Arreola dejó en su paso por La Barranca es suficiente como para hacer de su nombre un sinónimo de garantía. Basta con recordar Donde la demasiada luz forma paredes con el polvo, cuarto track del Denzura (2003), canción firmada por el propio Arreola. Y ya en su fase de solista, necesariamente tenemos que mencionar Música Horizontal del 2006, disco con el cual arranca el proyecto de LaBa (Alonso Arreola + Laboratorio/Laberinto) En estas producciones se da fe del gran dominio que este músico tiene de su instrumento: el bajo. Pero los sorprendentes ritmos que este mexicano logra sacar de las gruesas cuerdas no sólo reposan en los distintos formatos donde se han grabado sus creaciones. Nada de eso. Por el contrario, la pirotecnia digital que despliega este tipo tiene su hogar en las clases que imparte en el LaBa, y logra su culmen en las presentaciones que ofrece en vivo. Quienes hemos tenido el gusto de asistir a sus tocadas podemos confirmarlo.

Estas Transfusiones de Cruento se presentan como el primero de una triada de Ep´s en donde Arreola whit a little help from his friends busca musicalizar el concepto de la Sangre. Esto lo explica el propio Alonso Arreola en su página oficial, donde por cierto, también se puede descargar gratuitamente Transfusiones…, aunque esto implique perderte el bonito y elegante diseño (con una circunferencia transparente) que tiene el Ep en su formato físico.

http://www.alonsoarreola.com/

En su página Alonso describe un poco cada uno de las cinco transfusiones que componen este primer Ep, y así nos habla de cómo, por ejemplo, el tercer track (Fluxus para abreviar un poco el kilométrico título) es uno de los solos de bajo más complicado que jamás haya ideado. Además hace notar que el nombre del track que abre el Ep es un homenaje a otra banda que tenía al bajo como uno de sus instrumentos claves: los estadounidenses de Morphine.

En lo que respecta al último track Pulga, dice que es “Otra idea de adolescencia traída al presente…”. Es curioso, pero desde que escuche esta canción pensé que era un claro tributo a Flea de los Chili Peppers, específicamente a la forma en como este bajista abre la rola Higher Ground. Alonso Arreola no menciona nada de esto, y como él es el autor ¿quién soy yo para contradecirlo?

Sin más preambulos, aquí les dejo Las transfusiones de Cruento, un muy buen disco que retribuye con creces la escucha.

http://www.mediafire.com/file/3lz2t25iwb1td5o/Alonso%20Arreola%20-%20Las%20Transfusiones%20de%20Cruento%20%282011%29.rar

Todos sufren en silencio alguna carga. A diez años del 09/11

2011-09-11T18:51:00.000-07:00

Todos los que en ese entonces ya teníamos un mínimo uso de conciencia, recordamos en donde estabamos aquella mañana. Eran otros tiempos. Antes de los smartphones y el twitter todavía las noticias nos llegaban por bocas ajenas y no por teclados de terceros.

Hace diez años del ataque a las Torres Gemelas de New York.

Para mi generación, y cuando menos para una antes que la mía, representa -de manera macábra- nuestra llegada a la luna. Nuestro personal "Houston tenemos problemas". Es decir el evento televisívo que asombró a todo nuestro mundo. Nuestro A.de NY y D. de NY.

Hoy se cumple una década de ese rudo despertar y los duelos, las crónicas y los memoriales no se hacen esperar. En diez años se ha acumulado de todo: preguntas y respuestas, odios y rencores, confianzas y desconfianzas, sangre y cicatrices, pero tambíen... canciones.

Entre ese cúmulo de canciones se encuentra una del maestro Leonard Cohen: On that day. Track número 6 del Dear Heather, disco del 2005 que, a cuatro años del Ten New Songs, daba por cierto el regreso del canadiense. Como era de esperarse Cohen y su coautora Anjani Thomas logran presentar una letra con mucho sentido. Una salomónica canción que antes de señalar culpables o elevar martires interpela al escucha, a aquellos que seguimos de pie. Es este aspecto lo que la hace más universal, si bien habla de un suceso en específico, no se ahoga en la fecha. Hay muchas cosas por delante -parece decirnos On that day-, mucho por venir... ¿Como piensas lidiar con eso?

Canción: En ese día.
Disco: Dear Heather (2005)
Track: 6
Duración: 2:04

En ese día.

Algunas personas dicen/
Que es lo que merecemos/
Por pecados en contra de D--os/
Por los crimenes en el mundo//

Yo no lo podría saber/
Yo sólo sostengo el Fuerte/
Desde ese día/
En que ellos hirieron New York//

Algunas personas dicen/
Que su odio hacia nosotros es viejo/
Por nuestras mujeres sin velo/
Nuestros esclavos y nuestro oro//

Yo no lo podría saber/
Yo sólo sostengo el Fuerte/
Pero contestame esto/
Y no te llevaré a la Corte//

¿Te volviste loco?/
O ¿Te presentaste a cumplir tu deber?/
En ese día/
En ese día//

En que ellos hirieron New York//

_______

¿Dónde estaba cada uno de nosotros hace diez años?, ¿Dónde nos enteramos cada uno de nosotros de ese suceso?
¿Quiénes eramos cada uno de nosotros ten years ago?

Y...

¿Quiénes somos ahora?
¿Qué cosa nos derrumbó ten hours ago?
Porque si bien cosas como el 9/11 cambian el curso del mundo, no dejemos que lo global opaque lo local, ni mucho menos que aplaste lo individual.

Porque...

Everyone suffers in silence a burden/
The man who drives minicabs down in Old Compton/
The Asian man/
Whit his love hate affair/
Whit is racist clientele//
(Belle & Sebastian - The Boy Whit The Arab Strap)

Gods Are Bored. Nuevo sencillo de The Datsuns.

2011-08-28T17:06:00.000-07:00

Estaba en rebaja y la tentacion fue mucha.
Hace unas horas me acabo de comprar el disco Headstuns (2009 Hellsquad Records), cuarta producción de The Datsuns. Esta banda originaria de Nueva Zelanda es uno de los frutos que nos dejó esa tendencia a la revisión que marcó los inicios/mediados de la decada pasada. De entre toda esa oleada de bandas "The" que aparecieron, The Datsuns fue una de las de bajo perfil. No se encumbraron como The White Stripes, ni se vistieron tan elegantemente como The Hives, pero supieron perseverar un poco más que The Vines.

He escuchado tres de sus, hasta el momento, cuatro discos.
Para abrir el apetito está el homónimo e imparable debut de estos tipos que data del 2002. El sonido de este disco se puede describir como el hijo bastardo que fue fruto del amasiato entre el groove de Led Zepellin y el valemadrismo de AC/DC. Si bien es cierto que es un, muy marcado, ejercicio de nostalgia rockera (en este caso enfocada en el garage que abreva de The Sonics) aun así es un disco que vale mucho la pena. Rolas tan atascadas como Motherfucker from Hell, Freeze Sucker, o Harmonic Generator (esta última con un poco más de onda) justifican la escucha completa del disco.

El segundo disco es el que se me ha estado escondiendo. De el Outta Sight / Outta Mind (2004) sólo he escuchado Honk Kong Fury, canción que venia incluida en el disco recopilatorio que la revista Rock Sound regaló en su número 75. La canción sigue con el espíritu de la banda. Esta segunda entrega de los Datsuns contó con la participación del ex- Led Zepellin John Paul Jones en el banquillo de productor. Suena a una buena combinación. Yo se que el disco a de estar rodando por la red (qué cosa no lo está) pero aun así prefiero esperarme para cuando me lo tope en alguna tienda o puesto de mercado.

Para el 2006 Dolf de Borst, Phil Buscke, Chris Livingstone y Ben Cole lanzaron al mercado Smoke & Mirrors, que si bien no ayudó a quitarles la etiqueta de una banda de bajo perfil ("de culto" está reservado para bandas que además del bajo perfil, rompen barreras e inuguran o validan estilos. No es el caso de The Datsuns), sí presentó unas variantes al sonido que los identifica. El garage-revival sigue presente, sí, pero ahora se hace acompañar de sonidos más armónicos, como los que abren y revisten a Waiting For The Time To Come. La guitarra slide que acompaña el ritmo de la batería de Stuck Here For Days también salta a la vista... al oido. Tambien Too Little Fire, con sus 7:54 y su cambiante ritmo da fe de que The Datsuns buscan agregarle nuevos ingredientes a su dominada receta.

Headstunts apareció en el 2009, y llego a mis manos al final de este octavo mes del 2011. Hace unas horas. Como apenas le estoy hincando el diente ... el timpano, me reservo la opinión.
Pero lo que importa, la razón por la que esta entrada del blog fue concebida se debe a que la compra del Headstunts me refrescó la memoria y me hizo darle una checada a la web de los Datsuns.

http://www.thedatsuns.com/

Hace veinte días Dolf de Borst y sus huestes colgaron para descarga gratuita el primer adelanto de lo que será su quinto disco de estudio.

http://thedatsuns.bandcamp.com/track/gods-are-bored

La canción se llama Gods Are Bored y si bien no sorprende tampoco decepciona. Mucho fuzz y un buen ritmo, el espíritu Datsuns sigue presente. Este primer vistazo a lo nuevo de estos neozelandeses ya está al alcance de todo el mundo, tanto para los que ya somos seguidores, como para los que sólo estaban buscando un automovil barato y el buscador del Google les jugó una mala pasada.

Convocatoria y requisitos para ser un corazón roto.

2011-07-25T21:39:00.000-07:00

Hace algunos días leí una noticia muy curiosa: en este futurista (¿fatalista?) 2010 un niño encontró, flotando en un río, una botella con un mensaje dentro. El mensaje de la botella lo había escrito otro niño -uno que vivió su infancia en la Alemania comunista- y estaba fechado en el año 1987. Este niño –llamado Marko- buscaba un amigo, y su infantil soledad le hizo lanzar tan inocente convocatoria a las aguas. 23 años después su escrito encontró receptor.

http://www.informador.com.mx/entretenimiento/2010/185241/6/mensaje-en-una-botella-llega-luego-de-23-anos.htm

La música tiene el mismo carácter errante de aquella botella. Toda canción es un mensaje encapsulado que se lanza a la deriva; donde queda a merced de los salvajes cambios de humor (The Cure dixit) de los tiempos y los escuchas. Es entonces cuando todos y cada uno de nosotros respondemos a los llamados que, creemos, mejor nos calzan. Así le paso al músico ingles Lloyd Cole y a la cantante escocesa Tracyanne Campbell.

Los muros de la universidad de Glasgow fueron testigos del nacimiento de una agrupación que, en el lejano año de 1984 lanzaba al mercado el disco Rattlesnakes. Dicha producción marcaba el debut de Lloyd Cole and The Commotions, grupo que lanzaría al mercado dos producciones más (Easy Pieces y Mainstream) antes de separarse y dar pie a la carrera como solista de su cantante Lloyd Cole. Aquella primigenia grabación contaba con temas como Perfect Skin, Forest Fire, o el homónimo Rattlesnakes. El plato cerraba sus casi 36 minutos de duración con la canción Are you ready to be heartbroken?, una curiosa joya de rock-pop indie.

Esta canción está enmarcada por una guitarra punteada, con un aire sumamente country, que asemeja un poco al sonido del banjo. Además la intermitente, pero solida, aparición del bajo le da más peso a una elegante, ronca e inglesa voz que durante tres minutos con cuatro segundos nos pregunta lo siguiente…

Artista: Lloyd Cole and The Commotions.

Album: Rattlesnakes.

Track 10: ¿Estas listo para ser un corazón roto?

Mirando como un renacido/

viviendo como un hereje/

escuchando los discos de Arthur Lee/

haciendo sentir tan culpables a todos tus amigos/

por su cinismo/

y al resto de su generación/

ahora ni siquiera el gobierno te va a detener./

Pero ¿estas listo para ser un corazón roto?/

¿Estas listo para ser un corazón roto?//

Atascado de vitaminas/

Sobre el conteo de toda la gravedad, /

dices que ahora eres feliz./

A duras penas puedes soportar/

el sostenerte en la estantería./

Si realmente quieres ponerte franco/

lee a Norman Mailer,/

o búscate un nuevo sastre./

¿Estas listo para ser un corazón roto?/

¿Estas listo para sangrar?//

Qué tanto se pudiera llevar/

¿Qué tanto se pudiera llevar el barrer esa sonrisa de su cara?/

¿Estas listo para ser… estas listo para sangrar?/

¿Estas listo para ser un corazón roto?/

¿Estas listo para sangrar? (corazón roto)/

Será mejor que ahora te prepares bebe/

¿Estas listo para sangrar?, ¿listo para sangrar?//

En 1984 Lloyd Cole y sus huestes colocaron el corcho a esta botella y así pusieron a salvo tan inquietante pregunta. Las aguas siguieron su heracliteo curso, al igual que el aire, la tierra y los seres humanos. Todo se movió a su propio ritmo –porque después de todo es verdad que eppur si muove-, hasta que en el 2006 alguien se atrevió a responder aquella interrogante.

La botella fue recogida por Tracyanne Campbell, la abrió (¡puff!) y le dio lectura a aquella pregunta tan directa, llamó a sus compañeros de la banda Camera Obscura y entonces, y sólo entonces, contestó firmemente: ¡Hey Lloyd, estoy lista para ser un corazón roto!

A estas alturas ya corría el año del 2006 y la banda Camera Obscura tenía en su haber dos producciones anteriores (Biggest Bluest Hi Fi y Underachievers Please Try Harder), cuando lanzaron al mercado un fino compilado de canciones pop titulado Let´s Get Out Of This Country.

Esta producción tiene en su portada a una chica de ojos verdes y mirada perdida realizando una pose que asemeja bastante a aquel cuadro que el noruego Edvard Munch pintara en 1893, llamado El grito. Es una portada muy llamativa que incita la curiosidad. Esto es lo que viene en el exterior del disco, pero en lo que compete al interior, al contenido del mismo no se queda corto. Son 39 minutos de un pop bastante orquestal que arropa a un puñado de letras bañadas de un agridulce romanticismo. Todas las letras de Let´s Get Out Of This Country están firmadas por la escocesa Tracyanne Campbell, cantante que aporta su enigmática voz a la música de Camera Obscura. Fue ella la que encontró la botella lanzada por Lloyd Cole en 1984 y, 22 años después, le dio respuesta. La contestación está rodeada de irónicos sonidos de teclados nupciales, de una alegre tonada de guitarra y un galopante ritmo de batería; entonces, en tres minutos con cuarenta y nueve segundos, Tracyanne Campbell nos dice:

Artista: Camera Obscura.

Album: Let´s Get Out Of This Country.

Track 1: Lloyd, estoy lista para ser un corazón roto.

El dijo: “Te voy a proteger como si fueras las joyas de la corona” todavía/

dijo que se sentía apenado por mí, cada vez más, mal comportamiento./

Lo puedo apostar//

Hey Lloyd, estoy lista para ser un corazón roto/

en este momento, no puedo ver más allá de mis propias narices//

“Celos” es más que una palabra, ahora lo entiendo. /

Se que puedes retener a una chica con estrechar la mano de un chico. //

Hey Lloyd, estoy lista para ser un corazón roto/

en este momento no puedo ver más allá de mis propias narices./

Hey Lloyd, estoy lista para ser un corazón roto/

en este momento, no puedo ver más allá de mis propias narices.//

Tengo en mi vida complicaciones que hay que resolver. /

Me iré a una ciudad costera del este para caminar.//

Hey Lloyd, estoy lista para ser un corazón roto. /

En este momento, no puedo ver más allá de mis propias narices. /

Hey Lloyd, estoy lista para ser un corazón roto. /

En este momento, no puedo ver más allá de mis propias narices. /

Hey Lloyd, estoy lista para ser un corazón roto. /

En este momento, no puedo ver más allá de mis propias narices.//

Se agregó algo más a la nota: la descripción de unos síntomas. Se buscó un nuevo corcho (el cristal del envase todavía estaba en buen estado). La botella se volvió a cerrar, y una vez más se dejó a la deriva. Está vagando libre por el mundo, y queda a disposición de todas aquellas personas que sienten un extraño malestar y no saben a ciencia cierta qué es. Es raro, pero llevan semanas sin poder ver más allá de sus propias narices.

Nota del autor. Las traducciones corren por mi cuenta y son sumamente libres, tan libres como mi defectuoso ingles me lo impone.

En la página oficial de la banda, cuando toca el turno de hablar de esta canción, nos dicen: " Y sí, hace referencia a Lloyd Cole, y afortunadamente, le gustó."

http://www.camera-obscura.net/discography

(Entrada que data del 21 de marzo del 2010)

De Alarido!!!!!

2011-07-07T19:44:00.000-07:00

México 3 – Alemania 2

¡Vaya partido!

Pasemos revista por favor.

Una victoria en casa---------------- SI

Contra un gran equipo---------- SI

Se remonto el marcador------------- SI

Con golazos------------- SI (¡y que clase de golazos!)

Con heridos------------- SI

Con algún herido a manera de héroe------------SI

Es oficial.

El partido de hoy reúne todos los ingredientes necesarios como para que no nos tiemble la mano a la hora de ponerle el título: DE ALARIDO.

Que si el fútbol solo es pan y circo, que si es amansa-personas, apendeja-gentes. SI.

Hay miles de cosas más importantes en que pensar y por las cuales gritar a todo pulmón. TAMBIÉN.

Pero en un país como el nuestro, donde lo más cotidiano es contar muertos (¿cuenta regresiva?), un partido como el de hoy resulta un verdadero oasis en el desierto. Toda una proeza de la alquimia; convertir la sangre en gloria.

Y no hay de otra, mañana a primera hora, de vuelta a la caza de la chuleta. Las miradas cautelosas al retrovisor cuando refleja la imagen de una patrulla. La nota roja y la nota política confundiéndose la una con otra; aunque después de aguantar una de esas clásicas declaraciones banqueteras como de concurso de oratoria de 6º grado, a veces somos nosotros los que quisiéramos combinarlas un poco… If you know what i mean.

P.D. Al terminar el partido entrevistaron al D.T. de la Selección Sub-17 Raúl Gutiérrez, y una de mis hermanas comentó: “¡Cuando lo veíamos jugar en el Atlante tenía el cabello largo!

No sé porque pero de repente me trono la cintura. ¡Auch!

De ese comentario saqué el siguiente tip:

P- ¿En qué momenta te das cuenta de que ya diste el viejazo mientras miras el fútbol?

R- Cuando notas que todos los jugadores que marcaron tu infancia/juventud ya son Directores Técnicos.

¿No?

De anclas, paracaídas, corazones, sangre y copas...

2011-07-06T21:15:00.000-07:00

Los niños son siempre como el niño que usted fue: tristes y felices; y si piensa

en su infancia revivirá en medio de ellos, los niños solitarios.

Los adultos no son nada, su dignidad no vale nada.

Cartas a un joven poeta.

Rainer Maria Rilke.

Hay combinaciones imperecederas: libreta nueva –cegadoramente limpia-, más plumas de cuatro colores distintos (negra, azul, roja y verde), más la clásica situación de niño tímido enamorado de niña popular, dan como resultado un sin fin de corazones atravesados por flechas y un buen número de copas rebosantes de una sangre verde (porque así de ajenos nos sentimos).

Cuando ya se llega a ser adulto (dejemos aun lado la mentada madurez) es difícil volver a conectarnos con ese tipo de emociones tan simples, tan básicas y por ello mismo tan genuinas. Cuando se es adulto todo se antoja viciado.

Es por esto mismo que asombra pensar que un adulto (Christoper Sander, alma y mente detrás del grupo sueco Chasing Dorotea) haya escrito una canción como The anchor song. Esta canción viene incluida en el paquete de MP3´s que regala la disquera, también sueca, Labrador (www.labrador.se) a modo de muestrario de su catálogo. Dicho muestrario es una verdadera delicia. Algo que vale la pena agradecer. Porque después de todo hoy en día ¿quién regala setenta/ochenta canciones de los más diversos estilos? ¡Surtido rico! ¡Mande al niño, mande a la niña!

En el apartado que Labrador le dedica a Chasin Dorotea, nos explican lo siguiente:

Mientras comprábamos revistas en un centro comercial notamos una música verdaderamente maravillosa que salía de las bocinas.

Pequeñas y suaves canciones con unas susurrantes y delicadas voces. Preguntamos al chico detrás del mostrador ¿qué era eso? Ese chico era el cantautor Christopher Sander y la maravillosa música era de su autoría; Chasing Dorotea.

En el otoño del 2001 Christopher Sander reunió a un puñado de amigos para enlistarse en Chasing Dorotea.

Empezaron tocando en vivo en Suecia y, lo más importante, grabaron este maravilloso álbum homónimo.

Algunas personas los han comparado con Nick Drake, Red House Painters y Belle & Sebastian. Y desde luego que Christopher Sander tiene el mismo talento obvio para escribir emociones que van de la guitarra y las voces directo al corazón de los escuchas. Esperen que esté cantautor se quedará por aquí durante un buen rato.

Entre todo el cúmulo de canciones de muestra que regala Labrador, The anchor song se destaca como una de las más finas. La letra de la canción me hace recordar a aquellos poemas infantiles que nunca se entregan. Suena a aquellas líneas que sólo son conocidas por sus ingenuos autores y no por las inmaculadas musas que las inspiraron. Y la música acentúa este cariz. La guitarra suena… suena… suena inocente –un diáfano rasgueo-. Y no me refiero a esa inocencia que se emparenta con la torpeza, sino aquella otra que está más enlazada con la timidez. Otro gran punto a favor es que la letra de The anchor song está cantada a dos voces sumamente empatadas, una femenina y otra masculina. Entonces la belleza de la letra cobra más vida. Además la tonada que emerge del melodión (el pianito al que se le sopla) y que es la pauta a seguir durante toda la canción (apertura/intermedio/cierre), es lo que termina por dar cuerpo a la canción. El ensamble final son 3:59 sumamente exquisitos.

Este es el link donde pueden bajar The anchor song.

http://www.labrador.se/mp3/chasing_dorotea-the_anchor_song.mp3

Y este otro es donde estan todas las otras muestras del catálogo de Labrador:

http://www.labrador.se/sounds.php3

Y aquí va mí libre traducción de la letra:

Banda: Chasin Dorotea.

Canción: The anchor song.

Track: 1

Disco: Chasing Dorotea

La canción del ancla.

Tienes una chispa en tu corazón/

mas fuerte que el más brillante sol/

y cada vez que andas por aquí/

tengo por seguro que eres la elegida//

Eres el paracaídas que me salva/

cuando siento la necesidad de saltar/

eres esos discos que toco/

y tu cantas las canciones que necesito oír//

Hay un océano en tus ojos/

más profundo que el más oscuro de los mares/

y cada vez que caes dormida/

quiero que las olas me traguen//

Eres la isla hacia la que nado/

cuando necesito encontrar una roca/

eres los cables que me conectan/

cuando necesito sentirme atado a algo//

(Entrada escrita 6 de Febrero del 2010)

Bataille: El alcahuete de las antípodas humanas. Enigma - Sadness Part. I (Single de 45 RPM)

2011-07-03T20:53:00.000-07:00

¡Oh, sí! ¡El Jardín de los Suplicios! Las pasiones, los apetitos, los intereses, el odio, la mentira y las leyes y las instituciones sociales, y la justicia, el amor, la gloria, el heroísmo, las religiones son sus monstruosas flores y los espantosos instrumentos del eterno dolor humano.

Octave Mirbeau – El Jardín de los Suplicios.

Hoy comencé a releer Historia del ojo del francés Georges Bataille. Hace unas semanas me hice de una edición de dicha novela que data de 1981, y que tanto la traducción como el prólogo corren a cargo de la mexicana Margo Glantz (nacida en 1930). Pues bien el prólogo titulado Mirando por el ojo de Bataille, aunque corto, maneja varias temáticas bastante interesantes. Para empezar, más allá de dar una simple reseña biográfica o esbozar el lugar que ocupa Histoire de l´oeil dentro de la obra de Bataille (que también lo hace), Margo Glantz compara varios tópicos u obsesiones del autor francés con las características de las obras de otros autores, como son Poe y Sade.

Margo Glantz trae a colación la total apertura de lo erótico que se da en Historia del ojo, apertura que abarca planos tan equidistantes como pueden ser lo ontológico y lo meramente panorámico. Recordemos que para Bataille la búsqueda erótica (cimentada en una imperiosa necesidad que nace de la discontinuidad de los seres) desemboca en tres tipos de erotismo: el erotismo de los cuerpos, el erotismo de los corazones y el erotismo sagrado; cada uno de ellos con sus propios límites, metas y alcances. Esta apertura erótico-ontológica está presente en la trama de Historia del ojo, pero al mismo tiempo otro tipo de apertura recorre las páginas de dicha novela. Para Margo Glantz no es fortuito que muchas de las escenas de la trama se desarrollen en espacios abiertos (bosques o plazas de toros) ya que este tipo de escenarios cumplen una función analógica entre el ser-ontológico personal y el ser-naturaleza. Entonces nos dice Margo Glantz:

La entrega a la desnudez es la entrada al cosmos. La desgarradura se precisa sólo cuando se enfrenta al cielo que se abre y se deja ver entre las nubes una noche de tormenta, o cuando la mirada se asoma al caos, cráter, coño, profundidad de averno. (Pág 18 de la edición de 1981 de Premia Editora S.A.)

Lo que en Bataille es apertura -panorámicas cinematográficas- en Poe y Sade es encierro. Así lo piensa Glantz. En Bataille –nos dice la traductora- la apertura ontológica y escenográfica da como resultado un lenguaje directo y sin tapujos. La desnudez de ser-cuerpo-naturaleza desemboca en un lenguaje que carece de ropajes. Coño es coño por donde quiera que se le mire (y vaya qué en Historia del ojo se le mira mucho) Pero OJO, lo directo del lenguaje no cae en esa reiteración que a la larga despoja de significado y que da como resultado –primero- una obviedad y acto seguido desvela lo grotesco. En el caso de Poe y en el de Sade esto cambia.

El erotismo en Poe es al que el común de nosotros está acostumbrado. Es decir, en Poe el erotismo es sexualidad velada. Charles Baudelaire (un fiel seguidor de Poe) en uno de sus textos críticos nos dice – a grosso modo- que en Poe no hay escenas eróticas, y que cuando de cuestiones de atracción o lascivia se trata, lo de Poe es revestir obsesiones infantiles y un tanto inocentes, con un halo de malicia malsana. Pero siempre in crescendo. De menos a más.

En contraparte la obra de Donatien Alphonse Francois de Sade (1740 – 1803) (Marqués de Sade para los cuates) tiene un ariete principal: lo explicito. El sadismo le debe todo a Sade, y no es pleonasmo ni una deuda gratuita. Por ejemplo en Los 120 días de Sodoma o se dice todo o no se dice nada. Andar con medias tintas no figura en ninguno de los estatutos o reglamentos de La Escuela del Libertinaje. Como toda buena bitácora no debe dar pie a dudas de lo que se hizo durante la jornada laboral.

Pero tanto en Sade como en Poe, la mórbida sexualidad de aquél y la tierna lujuria de este se dan a puertas cerradas. Tras bastidores. Los ambientes sofocantes de Poe se emparejan con las enormes libertades que Sade describe dentro de los castillos.

En este punto tenemos localizadas con nombre y coordenadas las puntas del triangulo. En el ángulo destinado a Bataille descansan la apertura y el lenguaje directo, mientras que en el espacio de Poe lo ambiguo y lo tácito tienen su morada, por su parte Sade enciende todas las luces, y así nos deja ver y nos hace saber hasta el último detalle de lo que ocurre. Margo Glantz resume todo esto de la siguiente manera:

Poe y Sade encierran a sus personajes para ordenar sus rituales eróticos. Rituales despojados de cuerpo o relacionados con un cuerpo muerto en Poe (sus mujeres aparecen en corporiedad sólo cuando están muertas o a punto de morir) o rituales donde el cuerpo reitera el pleonasmo en Sade (la excesiva carnalidad diluye y sirve para realzar la monstruosidad). Bataille sale al espacio abierto para ordenar el desenfreno. (Pág 17)

Cada uno de estos tres autores tienen sus respectivos argumentos para defender sus filias y fobias; para justificarle a Margo Glantz sus encierros o aperturas. Por ejemplo el bostoniano Poe quizás contestaría, como lo dijo alguna vez, que su obsesión con las mujeres fantasmales se debe a que la muerte de una mujer bella es indudablemente el tema más poético del mundo. El Maqués de Sade diría que escribió como vivió, ¿cómo refutas algo así? Por su parte Bataille nos escupiría alguno de sus alegatos a favor de que la ecuación entre erotismo-violencia-muerte-religión- es indisoluble, y que él hace sus operaciones a partir de ese presupuesto. Nos lo diría y de hecho lo dijo en su texto El erotismo:

La santa se aparta con horror del voluptuoso: ignora la unidad de las pasiones inconfesables de este último y de las suyas propias.

Sin embargo, es posible buscar la cohesión del espíritu humano, cuyas posibilidades se extienden desde la santa hasta el voluptuoso.

Me coloco en un punto de vista tal que percibo esas posibilidades opuestas coordinándose. No intento reducirlas unas a otras, sino que me esfuerzo en captar, más allá de cada posibilidad negadora de la otra, una última posibilidad de convergencia. (Bataille, Georges. El erotismo 7° edición, traducción de Antoni Vicens. Tusquets Editores, México 1997. pág. 15)

Erotismo o religión. Santa o Voluptuoso.

V.s.

Erotismo y religión. Santa y Voluptuoso.

Bataille apuesta a favor de la última opción.

Bataille el alcahuete de las antípodas humanas.

No es un mote de tarjeta de presentación, pero tampoco está tan mal.

La empresa que se propuso Bataille (reunir a la Santa y al Voluptuoso) tiene su equivalente en una producción que marcó tendencias y abrió las puertas a un género hoy en boga: el New Age.

Para cuando el sencillo Sandess part I vio la luz en octubre de 1990 no se había escuchado nada igual en los charts de música pop. La mezcla entre cantos gregorianos y sensuales gemidos de mujer no era una moneda de uso corriente. Y si ha esta ecléctica mezcla le inyectan –tan como lo hizo su creador, el rumano Michael Cretu- algunos beats marcadamente dance, la popularidad del tema se explica por sí misma. El disco MXMXC a. D. arrasó en ventas, y creo un halo de misterio tras de su esquivo creador (que aparecía en los créditos como Curly M.C. (algo así como el Chino M.C.) Después de Sadness Part I la cosecha de éxitos de Enigma siguió aumentando, y aun hoy en día es un proyecto muy cotizado y con bastantes adeptos. Años después vendrían las demandas del Coro Capella Antiqua por el uso no autorizado de samplers de sus cantos en las canciones de Enigma (como por ejemplo en Sadness Part I) pero esa ya es otra historia.

Según su creador, MXMXC a. D. tiene como eje central el estira y afloja de la religión y la sexualidad en la vida humana. Es decir la lucha que Bataille ilustra con los personajes de La Santa y el Voluptuoso. Este conflicto es notorio en el sencillo que hoy dejo a su disposición: Sadness Part I.

Este sencillo de 45 RPM que EMI Capitol de México lanzó en 1991 tiene como lado A la versión editada para radio de la canción Sandess Part I, con una duración de 4:17. Esta fue la versión que se escucho en nuestro país, y que ayudó a que el primer disco de Enigma también fuera un hitazo aquí.

Por su parte el lado B del sencillo de 45 RPM esta ocupado por el Violent U. S. remix de Sadness Part I. Remix que en el puro nombre indica lo que nos vamos a encontrar: el reemplazo de los beats dance por unos ritmos marcadamente industriales (este tipo de música también era una novedad). La agresividad del ritmo hace que resalte más el lado sexual de la canción, y no tanto el lado religioso; esto le da un giro total a la forma como se escucha Sadness Part I. Vale mucho la pena. Este Violent U. S. remix fue recopilado (como track 3) en un disco extra que acompaño la re-edición, que en año de 1999, se hizo del disco MXMXC a. D.

Pero yo les dejo la versión original del sencillo de 45 RPM.

http://www.mediafire.com/file/86tnids8ptbp8mb/Enigma%20-%20MCMXC%20a%20D%20%28Single%2045%20RPM%20Radio%20Edit%29.rar

Traduccion de Sean Lennon - Friendly Fire.

2011-06-28T21:50:00.000-07:00

A unos días de iniciar la segunda mitad del año.
Para hacerlo de manera decente nada mejor que dar una buena revisada a uno de los dos discos (el otro es, sin lugar a dudas, Becoming a jackal de Villagers) que marcaron la primera parte de mi año: Friendly Fire de Sean Lennon.

Un disco del 2006 (que apenas conocí) que abreva mucho de la corriente de otras producciones de despecho, tal como son el Sea Change de Beck o, el epítome de esta clase de producciones, Blood on the tracks de Bob Dylan. Pausa para hincarme y hacer las debidas reverencias.

Y no es para menos, ya que la inspiración de Sean Lennon tuvo como musa el engaño que su entonces pareja, la actriz Bijou Phillips, le hizo con su mejor amigo Max LeRoy (quien por cierto moriría al poco tiempo). El resultado: 10 canciones que tienen sus inestables cimientos en cicatrices recien abiertas. Las letras rebozan de preguntas y observaciones agridulces sobre el amor y las relaciones humanas, pero siempre acompañadas de una música que nunca es plana. Sean Lennon no se quedo clavado en la típica balada acústica a piano o guitarra. Por el contrario en Friendly Fire hay una paleta sonora bastante amplia que lo mismo incluye aplausos (Headlights) que una psicodélica batalla entre guitarra y bateria (Would i be the one, esta de Marc Bolan).

Con la pura intención de que los que escuchen Friendly Fire tengan un acercamiento mayor al disco, aquí les dejo las traducciones que hice de las diez rolas. Toda ellas, traducciones que tienen como límite mi escaso conocimiento del ingles; sin tapujos... unas traducciones muy libres (sobre todo la de Falling out of love... se aceptan mentadas)

Carne muerta.

¿No sabes que eres carne muerta?

Te metiste con quien no debías/

Será mejor que por ahora no intentes dormir//

Será mejor que corras/

Cerrare mis ojos y contaré hasta diez/

Y entonces saldré a buscarte//

Vas a tener lo que te mereces/

Tendrás lo que te mereces/

Al final vas a aprender/

Oh, vas a tener lo que te mereces//

Por ahora es demasiado, tu sabes, demasiado/

Nos dejas una sola opción/

Piensas que nos van a creer, ¿o a ti?//

Espero que te des cuenta de que no es un juego/

Sabes el precio, ¿verdad?/

Oh, tu vida puede ser un caos//

Vas a tener lo que te mereces/

Tendrás lo que te mereces/

Al final vas a aprender/

Oh, vas a tener lo que te mereces//

Espera por mí.

Por favor no me preguntes por qué/

Es tan cierto como el cielo/

Que todos hemos nacido para morir/

Entonces tomate tu tiempo/

Pero no tomes el mío/

Piérdete, pero no pierdas la cabeza//

En algún lugar, allá afuera/

Entre la luna y el mar/

Esperaré por ti Querida/

Así que espera por mi//

No te puedes lamentar por lo que olvidaste/

Si tan solo pudieras olvidarlo/

Pero eso requiere tiempo, y abundante vino/

El peso del mundo está en tus ojos/

Nada puede venir hacia ti amenos que lo intentes, intentes, intentes

Te encuentras en problemas/

Si no puedes decir una mentira/

Es pan comido//

En algún lugar, allá afuera/

Entre la luna y el mar/

Esperare por ti, querida/

Así que espera y veras//

En algún lugar, allá afuera/

Entre la luna y el mar/

Esperare por ti, querida/

Así que espera por mi//

Paracaídas.

El amor es como un aeroplano/

Saltas y entonces rezas/

Los afortunados permanecen/

En las nubes por días/

Si la vida solamente es un escenario/

Pongámosla en el mejor espectáculo/

Y dejemos que todos la conozcan//

Porque si tengo que morir esta noche/

Prefiero que sea contigo/

Corta el paracaídas antes del clavado/

Nena no llores/

Tienes que bajarme/

Tengamos algo de diversión antes de golpear el suelo//

El amor es como un huracán/

Sabes que está en camino/

Piensas que puedes ser valiente/

Debajo de las olas/

Si la vida solo es un sueño/

¿Quién de nosotros está soñando?/

Y ¿Quién despertará gritando?//

Porque si tengo que morir esta noche/

Prefiero que sea contigo/

Corta el paracaídas antes del clavado/

Nena no llores/

Tienes que bajarme/

Tengamos algo de diversión antes de golpear el suelo//

Porque si tengo que morir esta noche/

Prefiero que sea contigo/

Corta el paracaídas antes del clavado/

Nena no llores/

Tienes que bajarme/

Tengamos algo de diversión antes de golpear el suelo//

Porque si tengo que morir esta noche/

Prefiero que sea contigo/

Corta el paracaídas antes del clavado/

Nena no llores/

Tienes que bajarme/

Tengamos algo de diversión antes de golpear el suelo//

Fuego amigo.

No quiero escuchar/

Otra palabra más de ti/

Prefiero estar equivocado/

De cualquier forma la vida, principalmente/

Es lo que no puedes ver/

Así que juega el ciego/

Pero nuestras sombras/

Nunca nos dejan solos/

Por los caminos equivocados/

Ellos nos seguirán/

Fielmente a casa//

Tu iniciaste el ataque/

Con el primero cañonazo/

Mis soldados estaban durmiendo/

Se que pensaste/

Que nunca podrían llegar/

A la batalla/

Es fuego amigo//

En tu cuarto, lleno de las cosas/

Que nunca hiciste/

A alguien realmente le importa/

Tu sombra/

No te deja a solas/

Porque el sabe bien/

El sabe lo que has hecho//

Tú iniciaste el ataque/

Con el primer cañonazo/

Mis soldados estaban durmiendo/

Se que pensaste/

Que nunca podrían llegar

A la batalla/

Es fuego amigo//

Las olas no preguntan/

Donde te estas ahogando/

Bajo el mar/

Así que no me busques/

Encuéntrala, mantenla y piérdela/

Te abandono al final/

Fuiste mi amigo/

Como tu sombra/

Nadie te conoce tan bien/

Como yo//

Tu iniciaste el ataque/

Con el primero cañonazo/

Mis soldados estaban durmiendo/

Se que pensaste/

Que nunca podrían llegar/

Al suelo/

Porque estaba tan cansado/

Hasta que llegué/

A la batalla/

Es fuego amigo//

Espectáculo.

Siempre eres todo un espectáculo/

Dices que lo harás/

Pero nunca vas a cambiar/

Sólo lo haces si yo hago lo mismo/

El amor es un juego tan peligroso/

Un juego peligroso//

Lo primero que veo/

Es que eres débil de las rodillas/

Tu sonrisa fue tan ensayada/

Cuando me diste tu camiseta/

En la luna de miel/

Donde nunca abandonamos el cuarto/

Algunas veces quiero volver ahí/

Pero entonces recordare/

Tengo que recordar//

Siempre eres todo un espectáculo/

Supongo que fue lo mejor que pudiste hacer/

Tu vestido favorito para que el mundo viera a través de el/

Derramaste tu bebida, pero no lo hiciste a propósito/

Siempre eres todo un espectáculo/

Dices que lo harás/

Pero nunca vas a cambiar/

Sólo lo haces si yo hago lo mismo/

El amor es un juego tan peligroso/

Un juego peligroso//

Cuando me dices esto/

Que la debilidad es un mito/

Que inventaron los perdedores/

Porque, nena, la verdad duele/

Nena, la verdad duele//

Bueno yo pienso que fuiste superficial/

Pero entonces me fui a lo profundo/

¿Por qué no pudiste mantener/

Nuestros pequeños secretos?/

Tú eres mi única debilidad//

Siempre eres todo un espectáculo/

Supongo que fue lo mejor que pudiste hacer/

Tu vestido favorito para que el mundo viera a través de el/

Derramaste tu bebida, pero no lo hiciste a propósito/

El amor es todo un espectáculo/

Sólo cuando piensas que está marchando bien para ti/

La vida es una película que nos duerme/

Cada pequeña cosa que hacemos//

Eres todo un espectáculo/

Realmente nada marca un cambio/

Porque si tú lo sientes nena/

Se que yo siento lo mismo/

El amor es un juego tan peligroso/

Un juego peligroso//

Mañana.

Prometo dejar de amarte mañana/

Hoy puede ser tu último día en mis brazos otra vez/

Prometo dejar de pensar en ti constantemente/

Y dejar de desear despertar cada mañana junto a ti/

Es verdad Querida/

Pero por hoy podemos pretender que aun no es muy tarde/

Prometo dejar de soñar acerca de ti/

Prometo dejar de esperar por tus llamadas/

Porque no quiero que me importen en lo absoluto/

Pero quizás por esta noche podemos olvidar lo que es correcto/

Por última vez/

Porque prometo dejar de amarte mañana/

Hoy será tu último día en mis brazos otra vez/

Prometo dejar de pensar en ti constantemente/

Y dejar de desear despertar cada mañana junto a ti/

Es verdad Querida/

Pero por hoy podemos pretender que aun no es muy tarde/

Hoy podemos pretender//

Inicia de nuevo, para de nuevo.

Así como el Sol se pone/

Así olvidaremos esos preciosos momentos cuando/

Otro día pasa/

Así como la Luna sabe/

Que no siempre puede brillar cada velada/

Algunos días me encontrarás durmiendo/

Porque de nuevo estoy en marcha, y de nuevo me detengo/

Nunca te lo dije, nunca lo haré/

Porque de nuevo estoy en marcha, y de nuevo me detengo/

Si no te puedo abrazar, alguien lo hará//

El amor es como un océano, siempre en movimiento, siempre cambiante/

Nunca se repite/

Quizás me extrañes algún día/

Quizás desees no haberte quedado/

Quizás me olvides/

Quizás nunca me dejes ir/

Porque inicia de nuevo, y de nuevo se detiene/

Nunca te lo dije, nunca lo haré/

Porque inicia de nuevo, y de nuevo se detiene/

Si no te puedo abrazar, alguien lo hará/

Inicia de nuevo, y de nuevo se detiene/

Nunca te lo dije, nunca lo haré/

Porque de nuevo estoy en marcha, y de nuevo me detengo/

Si no te puedo abrazar, alguien lo hará//

Faros.

Y si te dijera/

Que no es mi cabeza, esta que miras/

Ni siquiera mis ojos debajo de este sombrero/

Déjame garantizarte/

No todos aman estar asustados/

Porque nada se siente mejor que estar bien//

Entonces escondamos/

Todos los diamantes y la cocaína/

Para un día lluvioso/

Nunca olvides rezar/

Esta noche antes de irte a la cama/

Debes apagar todos tus faros//

Soy un creyente/

De que las cosas insignificantes te pueden hacer soñar/

Sensaciones impecables, torrentes invisibles/

Nunca la abandoné/

En cualquier otra circunstancia/

Hoy voy a aprovechar mi oportunidad//

Entonces escondamos/

Todos los diamantes y la cocaína/

Para un día lluvioso/

Nunca olvides rezar/

Esta noche antes de irte a la cama/

Debes apagar todos tus faros/

Cuenta las estrellas en lugar del llanto/

La vida sólo es un lento clavado//

Entonces escondamos/

Todos los diamantes y la cocaína/

Para un día lluvioso/

Nunca olvides rezar/

Esta noche antes de irte a la cama/

Debes apagar todos tus faros/

Sopla las velas de tu mente/

Esta vez no las necesitaras//

Podria ser el que.

Podría ser el que trajera de vuelta lágrimas a tus ojos/

Podría ser el que trajera de vuelta lágrimas/

Podría ser el que trajera de vuelta/

Podría ser el que trajera de vuelta lágrimas a tus ojos//

Es lo que quiero ahora, remover el jugo de tus botas/

Es lo que quiero ahora, remover el jugo de ti/

Es lo que quiero/

Es lo que quiero//

Es lo que quiero ahora, remover el jugo de tus botas/

Es lo que quiero, remover el jugo/

Es lo que quiero, remover/

Es lo que quiero ahora, remover el jugo de tus botas//

Es lo que quiero ahora, que como un toro, me tomen por los cuernos/

Es lo que quiero, que como un toro, me tomen por los cuernos//

Es lo que quiero/

Es lo que quiero//

Es lo que quiero/

Es lo que quiero//

Desprendiéndose del amor.

Por favor, solamente olvídame/

Nunca me dejes entrar en tu corazón/

Porque lo que temo/

Es desprenderme del amor//

Por favor, te olvidaré/

Nunca te dejaré entrar en mi corazón/

Te dejaré parada/

Parada en la oscuridad/

Todo se está desmoronando//

Aléjate/

No soy yo/

Nadie me puede ayudar en estos momentos//

He perdido mi camino/

No me sigas/

He perdido mi camino/

Ohhhh//

Toda una vida chingando al León.

2011-06-26T19:59:00.000-07:00

"A fines de los sesenta, Alexandro Jodorowsky presentó sus Fábulas pánicas en el suplemento cultural de El Heraldo; eran tiras de monos con la neta condensada del maestro Alexandro, que en ese momento se hallaba en el cenit de su gurez." (Agustín, José. La contracultura en México. Editorial Debolsillo, México 2004. Pág. 119)

Ilustración que forma parte de: Jodorowsky, Alejandro. Fábulas pánicas. Organización Editorial Novaro, México 1977. Pág 33)

¿Cuántas veces al día no tenemos esta actitud?

Multipliquémoslas por los siete días de la semana.

Después por cuatro semanas al mes.

Y por último... bueno ya saben.

¡Vaya!

Toda una vida chingando al León.

Herzog se confudió - y maté a cinco monjas mientras sonaba The Great Pretender. ATTE: Lankes

2011-06-25T20:26:00.000-07:00

I left the North again
I travelled South again
And I got confused - I killed a nun

I can´t help the way that i feel
The Smiths - Is It Really So Strange?

Estoy leyendo, por primera vez, El tambor de hojalata de Günter Grass (n. 1927). ¡Vaya obra! No se si exista una definición precisa de "escritor", pero estoy seguro que entre las características que avalan esa acepción debe estar la siguiente: "alguien que puede mantener una historia interesante por más de 600 páginas." Grass lo logra... y con creces.

Dentro del libro titulado Guía de las letras y autores contemporáneos (Sturrock, John (compilador) FCE, México 2001) el alemán Rhys Williams (profesor del University College en Swansea) dedica su aportación a hablar de la literatura moderna de su país. En las primeras líneas de dicho apartado (el número XXIII) Williams habla del ambiente post-segunda guerra mundial en la literatura germana, y entoces nos dice como el proyecto gubernamental "Westintegration" (que buscaba la occidentalización de Alemania y que a la postre puso los cimientos ideológicos para la literal división del país) trajo resultados ambivalentes en la mentalidad de los escritores. Esa camada de escritores rechazaba el lado político del "Wesintegration", pero mostraba su apoyo al lado cultural (visión cosmopolita) de dicho programa. Es debido a ese agrado hacia lo cosmopolita que la literatura alemana que floreció después del fin de la Segunda Guerra Mundial tuviera grandes rasgos extranjeros. Rhys Williams habla del gran influjo que autores estadounidenses como Hemingway o Faulkner, o de la armada existencialista francesa, encabezada por Camus y Sartre, tuvieron en la obra de alemanes de post-guerra como Alfred Andersch (1914 - 1980). Aunado a ese influjo extranjero, también llegó un sentimiento, una actitud de desconfianza ante la Historia y la Política. Algo totalmente comprensible, me arriesgo a decir que hasta LÓGICO. La unión de estos dos factores (visión cosmopolita y desconfianza hacia lo político) dieron como resultado que la literatura alemana de los 50`s se decantara hacia "ideas existencialistas ahistóricas" (Pág. 500).

Lo anterior fue el zeitgeist de los 50`s alemanes. Para los 60`s los vientos soplaron hacia otros rumbos. Rhys Williams nos señala como en la Alemania de esa época, el gobierno tenía muy en mente el importante papel que la literatura juega a la hora de crear una identidad nacional. Y si algo resultaba imperioso en esos tiempos, era la necesidad de una identidad alemana. Más ahora la identidad nacional tenía que abrevar de lo folklórico y lo moderno, de lo nacional y lo extranjero... de las tradiciones y de las tendencias.

Pues bien, ese era, a grandes rasgos, la escena literaria donde irrumpió Günter Grass y su Tambor de hojalata. Dejemos que el experto hable; Rhys Williams nos dice:

La literatura alemana occidental de los años sesenta se inició en 1959 con la publicación de El tambor de hojalata de Günter Grass (n. 1927), novela que constituyó un rumbo nuevo para saldar un buen número de cuentas: primero, inició una confrontación con el pasado alemán inmediato, no deshistorizándolo sino colocando los acontecimientos históricos en un lugar y tiempo específicos. El Danzing de Grass es alemán e intensamente personal, a medida que evoca las vistas, los sonidos y los olores de la ciudad. Sin embargo, simultáneamente un narrador omnisciente nos informa en tercera persona acerca de un personaje, Oskar Matzerath, figura evasiva y autoexculpante que resulta obligada, a su vez, a narrar su pasado en forma de confesión. El cambio en la voz narrativa, la ambivalencia en la postura moral del libro, la decisión de recordar un Danzing alemán cuando se tiene conocimiento pleno de la existencia de la ciudad polaca de Gdansk, todo ayuda a convertir El tambor de hojalata en una contribución extraordinaria a un sentido nuevo de la identidad alemana oriental y occidental. ( Sturrock, John (compilador). Guía de las letras y autores contemporáneos. FCE, México, 2001 Pág. 501)

Dentro del libro protagonizado por el pequeño (por convicción propia) Oskar Matzerath se vive esa lucha antitética que se da entre las ruinas y los cimientos frescos. Pero, a su vez y de manera muy hegeliana, se topa uno con los brotes de una sociedad nueva. En El tambor de hojalata se lee (y por ende se ve; porque leer es ver) aquella síntesis que supera gracias a que conserva algo de la fase anterior: el aufhebung que tanto enarboló el filósofo Hegel "El campeón del concepto" (véase La fenomenología del espíritu).
Al adentrase en el árbol genealógico del tamborilero Oskar Bronski (también Bronski, non sic) las tradiciones alemanas cruzan su camino con el empuje de un mundo moderno.

Por ahora voy rebasando la página 400, y estoy terminando el capítulo titulado Inspección del hormigón, o místico bárbaro aburrido. En dicho capítulo se desarrolla una escena bastante trágica y que, a la par, da fe y legalidad de ese cruce entre lo tradicional y lo moderno: se narra el asesinato de cinco monjas por orden del general alemán Herzog y perpetrado por el atribulado soldado-artísta Lankes.
El antecedente de la escena es el de un puñado de monjas que juguetean cerca de una zona de búnkers alemanes.
La escena va así:

(Las monjas desaparecen. Sólo de vez en cuando aparecen al fondo sus paraguas. El disco se acaba. Junto a la entrada del búnker suena el teléfono de campaña. Lankes salta del techo del búnker y coge el auricular. Los otros comen.)

ROSWHITA: ¡Que hasta aquí, en pleno campo, haya un teléfono!
LANKES: Aquí Dora-siete. Soldado de primera Lankes.
HERZOG: (entra lentamente por la derecha, con teléfono y cable, se detiene con frecuencia y habla por el teléfono): ¿Está durmiendo, soldado Lankes? Hay algo que se mueve delante de Dora-siete. ¡Se ve con claridad!
LANKES: Son monjas, mi teniente.
HERZOG: Qué quiere decir monjas. ¿Y si no lo son?
LANKES: Es que lo son. Se ve con claridad.
HERZOG: ¿No ha oído hablar nunca de camuflaje, verdad? ¿De la quinta columna? Los ingleses llevan haciéndolo siglos. Vienen con la Biblia y ¡de repente un estampido!
LANKES: Están cogiendo cangrejos, mi teniente...
HERZOG: ¡Despeje la playa enseguida! ¿Entendido?
LANKES: A la orden, mi teniente. Pero sólo están cogiendo cangrejos.
HERZOG: ¡Póngase tras su ametralladora MG, soldado Lankes!
LANKES: Pero si sólo buscan cangrejos, porque hay marea baja y son para su jardín de infancia...
HERZOG: Es un orden...
LANKES: ¡A sus órdenes, mi teniente! (Lankes desaparece en el búnker. Herzog sale con el teléfono por la derecha.)
OSKAR: Roswitha, tápate ambos oídos, por favor, porque van a disparar como en los noticiarios.
KITTY: ¡Qué horrible! Me anudaré más.
BEBRA: Casi creo también que vamos a oír algo.
FELIX: Deberíamos volver a poner el gramófono. ¡Eso suaviza algunas cosas! (Pone el gramófono; los Platters cantan The Great Pretender. La ametralladora, adaptándose a la música, que se arrastra trágicamente, tabletea. Roswitha se tapa los oídos. Felix hace el pino. Al fondo, cinco monjas vuelan al cielo con sus paraguas. El disco se para, se repite, luego silencio. Felix deja de hacer el pino. Kitty se desanuda. Roswitha mete apresuradamente el mantel, con los restos del desayuno, en el cesto de provisiones. Oskary Bebra la ayudan. Todos dejan el techo del búnker. Lankes aparece en la entrada del búnker.)
LANKES: ¿No tendría mi capitán otro cigarrillo para un soldado de primera?
BEBRA: (con su gente, temerosa, detrás de él): El señor soldado fuma demasiado.
(...)
(Grass, Günter. El tambor de hojalata. Traducción de Miguel Sáenz. Alfaguara, México, 2009. Pág. 383-384)

______________________

Un acetato que contiene una canción de R&B americana... The Great Pretender... el mayor hit de un grupo de música conformado por personas afroamericanas... ¿Los Platters como macabro soundtrack de una matanza nazi?
¿Alemania occidentalizada? Para muestra un botón

The Platters - The Great Pretender ( 1955)

Oh si, soy el gran simulador
disimulo tan bien
Es tal mi necesidad
que disimulo demasiado
estoy solo, pero a nadie se lo puedo decir

Oh si, soy el gran simulador
A la deriva en mi propio mundo
juego, pero para mi gran verguenza
me has dejado para que llore a solas

Este sentimiento inventado es tan real
tan real cuando siento que mi conrazon no lo puede disimular

Oh si, soy el gran simulador
Solamente alegre y risueño como un payaso
parezco ser aquello que tu no ves
estoy usando mi corazón como corona

Tan real cuando siento que mi corazon no lo puede ocultar

Oh si, soy el gran simulador

Solamente alegre y risueño como un payaso

parezco ser aquello que tu no ves

estoy usando mi corazón como corona

simulando que tu estas...

simulando que tu estas por aquí.

_________

P.D. Como nota curiosa, y a manera de señalar una errata de Günter Grass: La escena de la matanza de las monjas, según la trama, se desarrolla durante el 10 de junio de 1944, pero, pero.... según Wikipedia Los Platters lanzaron The Great Pretender, como sencillo, el 3 de noviembre de 1955. Grass está desfazado por once años. Minucias... minucias.

http://en.wikipedia.org/wiki/The_Great_Pretender

El Zeitgeist nunca sonó tan puerco.

2011-06-24T20:59:00.000-07:00

Entre las frases mas odiosas (a mi parecer) está aquella de "en mis tiempos todo era mejor". Cada vez que una persona dice eso salta a la vista una cana más o una nueva arruga (la elección es personal). Yo creo que esto puede ser evitado si a cada uno de nuestros ancianos les compramos una tornamesa, y los impulsamos a crear una disquera... lanzando nombres al azar... llamada DFA.

En el año 2005, James Murphy (amo y señor de a disquera DFA) lanzó a la venta el disco homónimo de su proyecto electrónico LCD Soundsystem. Dicho album, porque es un disco doble, es de las producciones electronicas que más me gustan, sobre todo el segundo disco. Ese segundo disco abre con una canción que a mi parecer logró captar el espíritu de toda la década. Hegelianamente hablando, logró captar el zeitgeist de la época digital. La rola en cuestión es "Losing my edge". En dicha canción James Murphy se pone "nostalgico" y nos echa en cara que "en sus tiempos era mejor". Nos lanza a la cara el reclamo de que todos nosotros somos unos "buscadores de Internet" que en cuestión de semanas, días, horas o minutos (dependiendo nuestra banda ancha) nos hacemos unos melómanos. Y es verdad, a mi parecer, la cultura del download (de la cual soy parte activa) mató toda la verdadera cultura musical. Mató la emoción de salir en busca de un disco perdido, inconseguible... de una rareza. De toparnos con la producción de alguna nueva banda que nos vuela la cabeza. Atrás quedó el sentimiento de romper el celofan de un disco nuevo, de leer el booklet, de mirar las fotos mientras se escucha la nueva adquisición. De renegar o festejar por la falta o aparición de las letras de las canciones. De todo eso y de muchas otras cosas. James Murphy se convierte en un abuelo que lanza su discurso a la "muchachada", pero la gran diferencia, es que este abuelo sabe usar las tornamesas, sabe crear beats sucios, puercos a más no poder. Y entonces en vez de asquearnos por la chamaqueada, nos ponemos a mover la cabeza como locos. Entonces este anciano DJ nos reprende como debe de ser: poniendo la muestra de lo que en verdad es ser vanguardista. Nos educa con el ejemplo.

No se me viene a a mente algún regaño tan bien musicalizado como este... no, no se me prende el foco.

Y el regaño va así...

Perdiendo terreno.

Yeah, estoy perdiendo terreno/
estoy perdiendo terreno/
Los chicos están llegando por detras
estoy perdiendo terreno/
estoy perdiendo terreno ante los chicos de Francia/
y de Londres/
Pero yo estaba ahí.//

Yo estaba ahí en 1968/
Yo estaba en el primer show de Can en Cologne/
estoy perdiendo terreno./
Estoy perdiendo terreno ante los chicos de quienes puedo escuchar sus pasos cuando/
se trepan al entarimado/
Estoy perdiendo terreno ante los buscadores en Internet quienes me pueden decir/
cada miembro de cada buen grupo de 1962 a 1978/
Estoy perdiendo terreno./

Ante todos los chicos en Tokio y Berlin/
Estoy perdiendo terreno ante los Brooklinianos de la escuela de arte/
en sus chaquetitas y su prestada nostalgia por los mal apreciados ochentas./

Estoy perdiendo terreno/
Estoy perdiendo terreno/
Puedo oir los pasos cada noche en los entarimados/
Pero yo estuve ahí/
Estuve ahí en 1974 en el primer ensayo de Suicide en un piso en la Ciudad de Nueva York/
Estaba trabajando en el organo con mucha paciencia/
Estaba ahí cuando el Captain Beefheart empezó su primera banda/
Le dije, "no lo hagas así. Nunca harás un centavo."//

Yo estaba ahí/
Yo fui el primer tipo que les tocó Daft Punk a los roqueritos/
Los toqué en el CBGB´s/
Todos pensaron que estaba loco/
Y, todos sabemos/
Estaba ahí/
Estaba ahí/
Nunca me equivoqué//

Solia trabajar en la tienda de discos/
Tenía todo antes que cualquiera/
Yo estaba ahí en el Paradise Garage DJ con Larry Levan/
Yo estaba ahí en Jamaica durante los grandiosos sonideros/
Desperté desnudo en la playa de Ibiza en 1988/

Pero, estoy perdiendo terreno ante gente con mejor apariencia y mejores ideas y más talento/
Y ellos, actualmente, son realmente lindos//

Estoy perdiendo terreno//

Escuche que tu tienes una compilación de cada buena canción de siempre/
echa por quien sea. Cada grandiosa canción de los Beach Boys./
Todos los exitos desconocidos/ Todos los tracks de Modern Lovers/
Escuche que tu tienes un vinil de cada disco de Niagra importado de Alemania/
Escuche que tu tienes un demo de cada seminal exito techno- 1985,86´, 87´. Escuche que tu tienes una
compilación en CD de cada buen corte de los 60´s y/
otro box-set de los 70´s//

Escuche que estan comprando un sintetizador y un arpegiator/---------------------- NOTA: se lo que es un arpegio, pero no se lo que es un... ¿arpegiator?y estan botando sus computadoras por la ventana
porque ustedes quieren hacer algo real/
Quieren hacer un disco de Jazz/

Escuche que tu y tu banda tuvieron que vender sus guitarras/
y compraron tornamesas/
Escuche que tu y tu banda tuvieron que vender sus tornamesas/
y compraron guitarras//------------------------------------------------------------------- NOTA: dos décadas de música resumidas en una estrofa.... genial!!!!!!!!

Escuche que todos a quienes conoces son mas relevantes/
que todos aquellos que yo conozco//

Pero, has visto mis discos? This Heat, Pere Ubu/
Outsider, Nation of Ulysses, Mars, The Trojans, The Black Dice, Todd Terry, The Germs, Section 25,

Althea and Donna, Sexual Harrassment, A-ha, Pere Ubu, Dorothy Ashby, PIL, The Fania All Stars, The Bar Kays,

The Human League, The Normal, Lou Reed, Scott Walker, Monks, Niagra,//

Joy Division, Lower 48, The Association, Sun Ra, Scientists, Royal Trux, 10cc,//

Eric B and Rakim, Index, Basic Channel, Soulsonic Force ("just hit me"), Juan Atkins, David Axelrod,

Electric Prunes, Gil! Scott! Heron!, The Slits,Faust, Mantronix, Pharaoh Sanders and the Fire Engines,

The Swans, The Soft Cell, The Sonics, The Sonics, The Sonics.//

No sabes que es lo que realmente quieres/
No sabes que es lo que realmente quieres/
No sabes que es lo que realmente quieres/
(x13)

P.D: Por cierto, sí ... yo sigo prefieriendo los CDS. Y sí, ya tengo canas.

(Entrada escrita el 28 de noviembre del 2009)

Manualidad de Jeget # 3: A renglón seguido.

2011-06-23T20:52:00.000-07:00

Retazos del traje nuevo del rey ardiendo en la chimenea.

El fuego encoge. Entonces encorva.

Escombros de nuestro Partenón nivelando la cama.

Un león a la izquierda de la piecera (arrulla), y un cristiano a la derecha de la cabecera (zumba).

El clavo sa(n)grado que sostiene el espejo se empieza a vencer.

Hay que comenzar a mirarnos de lado. Más no dejemos de caminar erguidos.

Un odio cimarrón, que todavía reconoce el terreno, extraña sus astas.

La sensación sube lento, la herradura comienza a picar… niño con muñón nuevo.

A lo lejos escucha a la muerte revolcándose en su tumba.

Como siempre… acompañada y sin fobia a los espacios abiertos.

Un ofrecimiento para uno solo, pero pensando en el otro.

Para mí, tácito; para ti implícito.

Destruí tu diván para tapiar la vacante que dejaron mis vísceras.

Favor de dibujar en la tapicería los órganos en escala de 1 a 10… con pincel fino y en tonalidades plata.

Con un buen pulso creas el universo.

Más no es el caso. Holocausto a primera hora: confirmar asistencia.

Es terrible destruir algo bello en aras de la comodidad.

Premeditación, alevosía y ¡ventaja!

Esta temporada la castidad viene en rojo, delgada y sin hebilla.

El azar es un viejo corsé.

Aprieta donde ya no se necesita, y deforma lo presentable.

¡Alea jacta est!

Si siempre favorece… traiciona.

Si nos defrauda todo el tiempo… convida.

A explicación no pedida…

Renglón seguido.

Jeget den Enkelte.

Como robar una canción y no morir en el intento.

2011-06-22T21:22:00.000-07:00

Paso 1: Elegir una de las más bellas canciones de algún artista de los llamados “de culto”

Paso 2: Robarse la canción.

Paso 3: Para no morir en el intento, matese usted mismo.

Si alguien hizo todo lo anterior, ese fue Jeff Buckley (1966 – 1997). Es increible como este cantautor estadounidense logró arrebatarle a Leonard Cohen (nada más ni nada menos) la bellisima canción “Hallelujah”. La versión realizada por Buckley (incluida en su disco debut “Grace” de 1994) no tiene comparación: el arreglo de guitarra, totalmente intimo, aunado a ese casi susurro con el cual canta Jeff, logran una canción que eriza la piel hasta del más duro. Y el final de la canción da muestra de ello.

Además de eso, Buckley mezcla la letra de dos versiones distintas de la misma canción. La primera parte es la letra “oficial” de la canción tal como aparece en el album de Cohen de 1984 “Various Positions”, mientras que la segunda parte corresponde al llamado “Hallelujah No. 2″ una versión que Leonard Cohen cantó durante su gira de 1988, y que viene incluida en el disco “Cohen Live”. Esta demás decir que Jeff Buckley logra amalgamar las dos versiones de manera magistral. Robarle una canción a Leonard Cohen puede ser visto desde dos puntos: O es como quitarle un pelo a un gato que es poeta, novelista, cantautor y mujeriego, o es una de las hazañas más grandes a las que puede aspirar un artista. En lo personal me inclino por la segunda opción.

Y para que no se piense que estoy hablando con voz de fanático (que de hecho sí lo estoy haciendo) aquí va la hermosa letra de la canción:

Jeff Buckley - Hallelujah

Oí que había un acorde secreto/

Que David tocaba y complacía al Señor/

Pero a ti no te importa mucho la música ¿no?/

Es así, la cuarta, la quinta/

La menor disminuye, la mayor aumenta/

El perplejo rey componiendo el Aleluya/

Aleluya, aleluya/

Aleluya, aleluya//

Tu fe era poderosa pero necesitabas una prueba/

La viste bañandose en la azotea/

Su belleza y el claro de la luna te transtornaron/

Entonces ella te ató a una silla de la cocina/

Destrozó tu trono y te cortó el pelo/

Y de tus labios arrancó el Aleluya/

Aleluya, aleluya/

Aleluya, aleluya// ———————hasta aquí es la letra de la primera versión, y lo que sigue es de la segunda versión.

Nena , he estado aquí antes/

conozco esta habitación, he andado este suelo/

Solía vivir solo antes de conocerte/

Ahora he visto tu bandera en el Arco de Mármol/

Pero el amor no es una marcha triunfal/

Es un frío y roto Aleluya/

Aleluya, aleluya/

Aleluya, aleluya//

Hubo un tiempo en que me decías/

Todo lo que pasaba en tu interior/

Pero ahora nunca me lo cuentas, ¿no es cierto?/

Recuerdo cuando entré en ti/

Y el Espíritu Santo también entró/

Y cada aliento que cogíamos era Aleluya/

Aleluya, aleluya/

Aleluya, aleluya//

Quizá haya un Dios arriba/

pero lo único que he aprendido del amor/

Es a disparar a quien te amenaza/

pero no es un grito lo que oyes esta noche/

No es la risa de alguien que haya visto la luz/

Es un frío y solitario Aleluya/

Aleluya, aleluya/

Aleluya, aleluya//.

Sobre el paso 3 (para no morir en el intento, matese usted mismo) Jeff Buckley lo cumplió cuando el 29 de mayo de 1997 se internó voluntariamente en las aguas del rio Wolf, para no salír más; cuando menos por propio pie.

Fue por ésta canción que decidí dejar mis asuntos a un lado, y me quedé escuchando música toda la tarde.

(Entrada escrita y publicada originalmente un 26 de noviembre del 2009)

The Four Seasons - Story (1975) Un encargo... un disco.

2011-06-05T17:43:00.000-07:00

The Four Seasons – Story (1975)

Este disco, y este grupo lo acabo de conocer debido a un encargo… pero aun así es válido hablar de él, la imposición no me imposibilita echar una mirada rápida a su biografía… ¿No?

Story es un album doble que recoge los grandes hits de esta banda, amante de las armonías vocales. Nacido a mediados-finales de los 50`s en New Jersey, USA, los Four Seasons, banda liderada por Francis Castelluccio, mejor conocido como Frankie Valli, y por los hermanos Nick y Tommy DeVito, (estos tres fueron los principales ejes del grupo) vivió sus mejores momentos durante los 60`s - 70`s y una parte de los 80`s.

Durante esta larga carrera Los Four Seasons cambiaron tanto de nombre, como lo hicieron de integrantes. Pasando una somera revista a todos los nombres con los que se llegaron a conocer podemos citar: The Variatones, The Village Voices, The Topics, The Four Lovers, Frankie Love and the Four Lovers, The 4 Seasons, y un largo etc, etc…

Los Four Seasons fueron testigos de la transición que significó la llegada de Los Beatles y todo lo que ellos trajeron. Esto es notorio en las canciones compiladas en Story (1975) ya que al escuchar el album completo uno puede rastrear el cambio de sonido de la banda. Por ejemplo el sonido pre-Beatle está presente en melodías bubblegum como Sherry o Big Girls Don´t Cry (primeros hitazos de la banda). En estas dos canciones la batuta es llevada por las armonías vocales y los juegos corales entre voces agudas y graves, y este es el signo distintivo de muchos de los otros tracks incluidos en Story. El cambio de sonido, aunque nunca es algo radical, comienza a aparecer en detalles como la aparición de una sección de metales, totalmente souleros, en canciones como Opus 17 (Don´t Worry About Me) o en Working My Way Back To You.

Si bien el principal ingrediente de Los Four Seasons siempre fueron las armonías vocales, y por esto es inevitable que se nos vengan a la mente los Beach Boys, hay momentos en el album que nuestra atención es captada por otros aspectos; por ejemplo el sonido tipo big-band que de manera tímida se asoma en la versión que hacen de I´ve Got You Under My Skin, o el ritmo acelerado y el bajo tan marcado que enmarcan Big Man In Town. La que a mi parecer se lleva el disco es Electric Stories, ya que en ella la forma de cantar de Valli es totalmente seca, distinta a el mood que recorre todo el album, además de que tiene, por ahí una guitarra electrica medio escondida que marca una muy buena tonada.

Por cierto, y a manera de curiosidad, Story contiene uno de los covers a Bob Dylan, más raros que se hayan grabado: Don`t Think Twice. La versión de los Four Seasons (que al momento de lanzarla se hacían llamar The Wonder Who?) tiene como base el sonido de unas infantiles trompetillas que acompañan al sonido medio charlestoniano, sobre el que una voz chillona, como de las ardillitas, canta la letra de Dylan. Lo repito, una mera curiosidad y nada más.

Story se deja escuchar de manera agradable, solo si estas en el temperamento correcto (es decir muy de buenas), de no ser así tantas armonías, tantos whop, whop, whop …whauuuu, aplausos y rup pap piruva pueden llegar a cansar.

P.D. Aunque aquí en México los Four Seasons no son tan conocidos, casi ninguno de nosotros tiene grabada en la mente alguna de sus melodías, en Estados Unidos sin son un grupo distintivo de la música americana. Durante algún tiempo estuvieron peleando codo a codo, hitazo a hitazo, contra los Beatles, inclusive en lo que a números de ventas se refiere, el grupo de Frankie Valli no está tan lejos del cuarteto de Liverpool. Hay un disco que da fe y legalidad de esta cruenta batalla, ¡Ja!

Los Four Seasons son tan reconocidos en Estados Unidos que inclusive se monto un espectáculo musical basado en la vida del grupo: Jersey Boys.

Aquí está el link a la página oficial del musical: http://www.jerseyboyslondon.com/jerseyboys_music.asp

Y para una información más completa, la siempre consultada Wikipedia:

http://en.wikipedia.org/wiki/The_Four_Seasons_(band)

Y por último aquí les dejo el link para bajar Story (1975)
http://www.mediafire.com/file/ccan17cw38ow4bn/The%20Four%20Seasons%20-%20Story.rar

Aparato hi-hi-hipo-hipoc-...hipo___condriaco.

2011-05-15T18:24:00.000-07:00

No han pasado ni 30 minutos de El discurso del Rey cuando mi laptop (el que sea una antiguedad la disculpa un poco) se pone hipocondríaca.
Comienza a reproducir la pelicula a tartamudeos, y arroja cinco segundos de video corrido y acto seguido se detiene por 15 segundos más. Además de eso, y como si la intención fuera desesperarme al máximo, el video vuelve a arrancar justo en los trabados diálogos de Colin Firth; tartamudez al cuadrado.
¿Alguien sabe el teléfono del "Lionel Logue de la computación"?
Ahora que lo pienso ese es un muy buen mote para un reparador de computadoras; porque después de todo el problema mas común es que los ordenadores (y ¡Ole!) se vuelven lentos y tartamudos. Nunca he escuchado a nadie decir: "Mi computadora está corriendo todo muy rápido; abre las páginas y los programas cual si fuera un ebrio Flash adolescente con un convertible recien comprado por la Liga de la Justicia."

Todo esto de la Logoterapia y la tartamudez real me trajo a la mente la serie de documentales "The 7 ages of Rock". En la primera serie hablan sobre el surgimiento de las bandas de rock primigenias, como Los Stones, Los Kinks y Los Who. Cuando se habla sobre estos últimos sale a relucir la tartamudez de Roger Daltrey a la hora de desgañitarse con My Generation, y entonces nos dicen que lo que querian reflejar era la poca articulación, tanto de discurso como de actitud, de la juventud de esos tiempos; que si bien no sabía contra que rebelarse, mínimo estaba segura de que tenía que hacerlo.
Me rebelo y luego ex-ex-existo.

El tema de la tartamudez en My Generation inicia a la 6:43

Y para disfrutarla completa, nada mejor que verla en vivo desde el mítico Woodstock.

Y como despedida, otro tartamudeo famoso.

Un poema mañanero para continuar el descanso.

2011-04-22T10:10:00.000-07:00

Cuatro días de descanso.
A estas alturas y a como está la situación son muchos.
Este periodo de relax se presta para escuchar varios discos que solamente he podido oir; discos que durante los últimos meses he comprado pero que no les he prestado la debida atención, como por ejemplo: Something for all of us... de Brendan Canning (miembro de Broken Social Scene), Lipstick Traces. A secret history of... de los Manic Street Preachers (una colección de rarezas y lados B), el Extraordinary Machine de Fiona Apple o el Shotters Nation de los Babyshambles, entre otros.

Pero para continuar el descanso, y despues de un muy buen desayuno, nada mejor que un poema. El tema del poema no tiene nada que ver con vaciones, relajamiento, descanso o vil hueva; por el contrario, es un poema erótico y lo traigo a colación sin ninguna otro motivo que el azar de haberme puesto a hojear el libro y sin ninguna otra razón que no sea el mero gusto de compartirlo.

El poema se llama Booz ve a dormir a Ruth y es autoría del sinaloense Gilberto Owen (Sinaloa, 13 de mayo de 1904 - Filadelfia 1952) y forma parte del Libro de Ruth. Aunque dicho poema yo lo tengo dentro de un libro titulado El erotismo en los poetas, una compilación hecha por Alejandro Montaño y que data del año 1972. Dicha compilación formaba parte de una serie de publicaciones quincenales baratas que lo mismo abarcaban poesía que temas insólitos; es por esto que los libros tenian una edición muy mala, El erotismo en los poetas (número 16 de la serie) ni siquiera tiene índice. Pero bueno, este tipo de compilaciones resultan ser, si se quiere, un buen punto de partida para identificar el nombre de varios autores y después seguirles la pista.

De entre todos los autores, poemas y extractos de prosa que dan cuerpo al libro, Booz ve a dormir a Ruth fue uno de los que más llamó mi atención. Y dice...

Booz ve a dormir a Ruth.
La isla está rodeada por un mar tembloroso
que algunos llaman piel. Pero es espuma.
Es un mar que prolonga su blancura en el cielo
como el halo de las tehuanas y los santos.
Es un mar que está siempre
en trance de primera comunión.

Quién habitará tu veraz incendio
rodeado de azucenas por doquiera,
quién entrara a tus dos puertos cerrados
azules y redondos comos ojos azules,
que aprisionaron todo el sol del día,
para irse a soñar a tu serena pueblerina
-que algunos llaman frente-
debajo de tus árboles de cabellos textiles
que se te enrollan en ovillos
para que tengas que peinártelos con husos.
He leído en tu oreja que la recta no existe
aunque diga que sí tu nariz euclidiana;
hay una voz muy roja que se quedó encendida
en el silencio de tus labios. Cállala
para poder oír lo que me cuente
el aire que regresa de tu pecho;
para saber por qué no tienes en el cuello
mi manzana de Adán, si te la he dado;
para saber por qué tu seno izquierdo
se levanta más alto que el otro cuando aspiras;
para saber cuando lo tocan mis pupilas.
Has bajado una mano a tu centro.
Saben aún tus pies cuando los beso,
al vino que pisaste en los lagares;
qué frágil filigrana es la invisible
cadena con que ata el pudor tus tobillos;
yo conocí un río más largo que tus piernas
-algunos lo llaman Vía Láctea-
pero no discurría tan moroso
ni por cauce tan firme y bien trazado;
una noche la luna llenaba todo el lago;
Zirahén era así dulce como su nombre:
era la enunciación de tus caderas.
Si tus manos son manos, ¿cómo son las anémonas?
Cinco uñas se apagan en tu centro.

No haber estado el día de tu creación, no haber estado
antes de que su mano te envolviera en sudarios de inocencia
-y no saber qué eres ni qué estarás soñando.
Hoy deztrozaría por saberlo.

Del libro de Ruth.

(Montaño, Alejandro (Compilador). El erotismo en los poetas. Editorial Posada, México, D. F. 1972. Pág 131-132)

Un poema, en viernes, y a eso de las 11:30 de la mañana...
Se nota que son vacaciones.

El miedo no anda en burro: DEERHUNTER / ATLAS SOUND / LOTUS PLAZA / GHETTO CROSS by bradford cox and cole alexander: think about it

2011-03-24T21:24:00.000-07:00

Bradford Cox comparte un video...
a) espeluznante
b) hilarante
c) altamente educativo.

Este video pone en evidencia algo que ya muchos sabemos: el miedo sigue siendo un excelente maestro.
Think about it!

DEERHUNTER / ATLAS SOUND / LOTUS PLAZA / GHETTO CROSS by bradford cox and cole alexander: think about it: "brother Jared showed me this the other day and i have to say it might be one of the greatest YouTube videos i have ever seen! think about ..."

Domingo de revistas viejas, de viejos cumpleaños y de un viejo regaño; pero todos ellos aun actuales.

2011-03-20T21:12:00.000-07:00

Tres pasos de largo.

Stop.

Tres pasos hacia atrás.

Me faltaban 29 y hoy me faltan 27.

Con mucha paciencia y poco a poco, pero ahí la llevo.

Me puse a husmear en un montón de revistas viejas que había en un puesto de periódicos del centro de la ciudad y me encontré con un agradable hallazgo: los números 13 y 16 de la revista La Mosca en la Pared. Esta revista fue mi Biblia en lo que ha música se refiere, y gracias a ella tuve noticias y contacto con un mundo musical que, aun hoy, me apasiona. Y aun cuando hoy en día haya una versión digital del afamado y mítico “pasquín” (les encantaba nombrarse de esa manera) no se compara, ni por asomo, a su enorme (34cm x 23cm) versión impresa.

El número 33 fue el primero que compre, y a partir de la edición 37 no deje de adquirirla por ningún motivo. Del 37 hasta el 125 (su último número) los tengo todos. Además de eso me he dedicado a conseguir los ejemplares que me hacen falta para completar la colección y así me he hecho de varios, como por ejemplo los números 2 y 3, entre otros.

Siempre es gracioso leer por primera vez una revista vieja, porque si bien conoces el contexto histórico del momento en que fue impresa, aun así la información te resulta fresca. Y se refresca aun más cuando se dan coincidencias como la siguiente.

En la infaltable sección de cuatro por cuatro (algunas noticias ficticias y otras no tanto, de la agencia La Mosa nius) del número 13 (con Café Tacuba en la portada) aparece la siguiente noticia:

Que cincuenta años no es nada.

DAVID BOWIE FESTEJA MEDIO SIGLO DE VIDA CON UN ALBUM ESTUPENDO

Nueva Cork. Agencia yUPI. Para demostrar que los “viejos” rocanroleros son como el buen mezcal (nótese la referencia nacionalista para que luego no nos acusen de extranjerizantes y demás etcéteras), David Bowie festejó sus cincuenta años de vida con un magno concierto en el Madison Square Garden de esta ciudad. En la celebración participó una pléyade de invitados, entre los que podemos contar a luminarias como Lou Reed, Robert Smith, Billy Corgan y varios más. No se trató sin embargo de una fiesta nostálgica, ya que Bowie parece haber tomado un segundo (o tercero o cuarto o enésimo) aire, lo que demostró con la aparición de sus dos más recientes álbumes, Outside (1995) y el flamante Earthling (1997), en los que ha renovado su música, adaptándose a los sonidos de vanguardia como el rock industrial y el jungla. No cabe duda: el buen Ziggy Stardust goza de cabal salud. (Pág 14 del número 13, Marzo de 1997)

Pues bien, dicho concierto era noticia fresca en aquél marzo del 97 (el evento acababa de tener lugar el 9 de enero de ese año), pero hoy en este (coincidentemente) marzo del 2011; a 14 años de distancia, vuelve a ser noticia por la siguiente razón:

http://www.efeeme.com/82087/nuevo-disco-en-vivo-de-david-bowie/

La revista española Efe Eme nos informa el día de hoy, que aquél birthday concert de Bowie & friends será editado, el próximo 26 de abril, como un nuevo disco en vivo del afamado Delgado Duque Blanco. La revista dice que el listado de canciones es el siguiente:

1.- ‘Little Wonder’.
2.- ‘The Hearts Filthy Lesson’.
3.- ‘Scary Monsters (And Super Creeps)’ (with Frank Black).
4.- ‘Fashion’ (with Frank Black).
5.- ‘Telling Lies’.
6.- ‘Hallo Spaceboy’ (with Foo Fighters).
7.- ‘Seven Years In Tibet’ (with Dave Grohl).
8.- ‘The Man Who Sold The World’.
9.- ‘The Last Thing You Should Do’ (with Robert Smith).
10.- ‘Quicksand’ (with Robert Smith).
11.- ‘Battle For Britain’.
12.- ‘Voyeur Of Utter Destruction (As Beauty)’.
13.- ‘I’m Afraid Of Americans’ (with Sonic Youth).
14.- ‘Looking For Satellites’.
15.- ‘Under Pressure’ (with Gail Ann Dorsey).
16.- ‘Heroes’.
17.- ‘Queen Bitch’ (with Lou Reed).
18.- ‘I’m Waiting For The Man’ (with Lou Reed).
19.- ‘Dirty Blvd.’ (with Lou Reed).
20.- ‘White Light/White Heat’ (with Lou Reed).
21.- ‘Moonage Daydream’.
22.- ‘All The Young Dudes’ (with Billy Corgan).
23.- ‘The Jean Genie’ (with Billy Corgan).24.- ‘Space Oddity’.
25.- ‘Can’t Read’.

Lo viejo se torna nuevo, y lo nuevo tiene sus raíces en lo viejo. Como siempre.

¿Y el hilo negro pa´?

Por otra parte, y a manera de pequeño extra.
En la página 31 de ese mismo número 13 de La mosca… aparece la sección ¿O no? De Eusebio Ruvalcaba (sección que a partir de la edición 44 de la revista cambiaría su nombre por el de Un hilito de sangre, nombre tomado de la novela más conocida de este autor –muy entretenida por cierto-)

En ese número 13 Eusebio Ruvalcaba escribió el texto titulado: Bach vs Chopin, y en él nos dice:

“No se te ocurra consultarlo en un libro de música; menos preguntárselo a algún intelectual de esos que invariablemente visten zapatos de gamuza y pantalones de mezclilla y que no salen del Parnaso o la Gandhi; porque ya sea el libro o el intelectual, te van a decir que no, que estoy loco, que eso no es posible. Pues aunque no lo creas –y ya me estaba tardando para entrar en materia, Chopin y Bach se parecen tienen puntos en común que ni te imaginas.”

En aquel marzo del 97 Eusebio Ruvalcaba hablaba de cómo los nombres de estos dos músicos son llevados y traídos por todos aquellos que queremos parecer “intelectuales” a la menor provocación. Son los nombres de cajón que disparamos cuando nos queremos dar baños de cultura y susurramos entre dientes “sí, sí, también escucho algo de música clásica”; entonces Ruvalcaba nos reprocha:

“A lo que voy es a esto: no soporto a los soflameros, los bloferos, los intelectuales de pacotilla, los que carecen de ideas propias y se alimentan de las opiniones de lo demás, trátese a favor o en contra. Estoy hablando de los fanáticos de Bach que jamás se han sentado a escucharlo, o de los denostadores de Chopin en iguales condiciones.”

Palabras duras pero justas.

Un año más tarde, en diciembre de 1998, la editorial Verdehalago lanzaría al mercado Con olor a Mozart, poemario firmado por el mismo Eusebio Ruvalcaba, y donde el autor pasaría revista a muchos nombres de músicos clásicos (entre ellos el de su mismo padre Higinio Ruvalcaba, pág 30). Un pequeño poema para cada autor. De ese pequeño poemario quiero rescatar las líneas dedicadas a los nombres de Bach y de Chopin. Nombres que dieron pie de entrada a aquél regaño.

Bach.

Pitágoras habría envidiado su matemática
musical.
Su hijo Gottfried soplaba el fuelle del órgano
mientras él tocaba. Era el único modo de que
sonriera
Gottfried. Bach se despidió de él y murió.
(Ruvalcaba, Eusebio. Con olor a Mozart. Verdehalago, México, D.F. 1998. Pág 14)

Chopin.
Poníase un pañuelo en la boca cuando tosía.
Para no escupir a quienes lo rodeaban.
Y porque el color de la sangre lo abrumaba.
De esos pañuelos –cientos- no queda
ninguno.
(Ruvalcaba, Eusebio. Con olor a Mozart. Verdehalago, México, D.F. 1998. Pág 19)

Carlos Ann, Bunbury y conejitos darketos... nada mal para cerrar un día ajetreado.

2011-03-18T21:22:00.000-07:00

Después de una jornada laboral agotadora, pero de la cual salimos triunfantes (yeah!), se antojaba un cierre agradable.
Después de un rico duchazo me topo con estas dos cosas... que se agradecen.

Como adelanto de un disco doble que llevará por titulo "Recuerdos y Fetiches 1999 - 2011" Carlos Ann lanzó el día de hoy el video de la canción "Hada". Este disco doble se anuncia como un repaso, y a la vez, una revisión de la carrera de Ann, por lo que el cancionero de este español será renovado en base a nuevas versiones de los temas, además de contar con la presencia de varios artistas invitados en las voces. Si tenemos en mente el disco de Bushido, así como el album tributo a Panero, entonces no nos sorprende que una de las voces invitadas en "Recuerdos y Fetiches 1999 - 2011" sea la de Enrique Bunbury; quien acompaña a Carlos Ann precisamente en "Hada". Sus respectivas tesituras de voz, así como sus manías a la hora de cantar son muy afines, por lo que las colaboraciones entre estos dos siempre terminar en buen puerto. "Hada" no es la excepción.

Además del video de "Hada" Carlos Ann anuncia un mini-concierto digital, programado para este domingo 20 de marzo. La invitación dice lo siguiente:

"Llega el viernes y empieza un fin de semana cargado de Recuerdos y fetiches,
gracias a Carlos Ann, que nos obsequiará este PRÓXIMO DOMINGO DÍA 20 DE MARZO,
con una velada fetichista e inolvidable en forma de miniconciertazo en directo,
desde barcelona pero para todo el mundo en www.365ddf.com ¡abre boca!

Este domingo a las 20h (hora España) y a las 13h (hora México)
Carlos Ann y Charly Chicago a la guitarra en un escenario muy peculiar y de manera muy intima
nos adelantarán algunos de los temas incluídos en su próximo doble/disco.

Para acceder debéis suscribiros en la web del festival que arriba os
anunciamos y conectaros el Domingo 20 a la hora indicada.
Ahí podréis dejar vuestros comentarios sobre el concierto a tiempo real."
___________________

Después de checar el estreno de "Hada", me topé (vía Mojo magazine) con esta curiosa página: http://www.nexyzbb.ne.jp/~ss3110/usa2.html

Una graciosa recopilación de recreaciones de portadas de discos, pero con conejos como protagonistas.
Hay varias muy buenas, por ejemplo: Mogwai: Come on die young

o... Country Life de Roxy Music

esta otra también está buena: Urban Hymns de The Verve

Pero la que se lleva el premio es la siguiente:

Closer de Joy Division. Con esta recreación se le ha inyectado un poco de aire a uno de los discos más sofocantes que jamás se hayan grabado. Un poco de luz y humor para un paraje tan hostil... repito: se agradece.

Un sentido adios a Rita Guerrero.

2011-03-12T21:26:00.000-08:00

Las malas noticias se suceden las unas a las otras. No tenemos el tiempo necesario para digerirlas todas; y es que en principio deseariamos que no fueran tantas.
Con toda la cobertura que se le dio a lo ocurrido en Japón, muchas otras noticias pasaron desapercibidas. Es por esto que me sorprende leer la lamentable noticia del fallecimiento de la tapatía Rita Guerrero.
A mediados-finales del año pasado se hizo pública la noticia de que la cantante estaba luchando contra el cáncer de mama. Entonces se realizó un concierto a beneficio de la emblemática lider de Santa Sabina. Después del concierto todo se torno más privado más personal, por lo que las noticias para el público no fueron tantas. Y desgraciadamente el día de ayer se puso punto final a la vida de tan querida artista.

Pude ver a Rita Guerrero en vivo una vez, fue durante el concierto que dieron aquí en el Hard Rock Live de Guadalajara para presentar su producción Espiral. El concierto fue muy bueno, y ella, como siempre, se mostró dueña del escenario. Tenía una presencia magnética que te atrapaba a la primera oportunidad, y si a eso le añadimos esa inigualable voz, entonces, imposible estar indiferentes.

De entre todos los clásicos de Santa Sabina, el que más me gusta, y con la cual quiero hacer un humilde homenaje es Labios mojados; canción plagada de esos juegos de voz de Rita Guerrero y con todas esas citas de La Náusea de Sartre.
El sello distintivo de Santa Sabina fue precisamente ese, el de tratar de llenar su música con algo más que la simple combinación letra-música. Su apego a lo literario dejo muchos rastros, como se puede ver en Labios mojados, así como en su fructífera relación con la escritora Adriana Díaz Enciso; relación que dio como frutos grandes canciones como El ángel.

Falleció Rita Guerrero. Lamentable. Una enorme pérdida para el rock nacional, pérdida que solo ayuda a poner en evidencia la gran ausencia de voces cálidas por estos lares.

A manera de veladoras, aquí estan las tres participaciones que Rita Guerrero tuvo en el sensual disco Acústico Desliz (1995) de Fratta:
http://www.mediafire.com/file/l6umpqncuv9317o/Fratta%20y%20Rita%20Guerrero%20-%20Acustico%20Desliz%20%28tres%20tracks%29.rar

Efemérides: En un acetato como el de hoy...

2011-03-02T20:36:00.000-08:00

No hay coincidencia que no sorprenda.
Para bien o para mal. Cuestión de animos.

Desde que, por fin, compré mi tornamesa, me he dedicado a escuchar un puñado de acetatos que le estoy guardando a otra persona. El día de hoy decidí que para acompañar mi merecida ducha, escucharía el album titulado History Of British Rock Vol. 2. Esta dupla de acetatos (album) viene fechada con el año de 1974 y fue editada por Sire Records de Nueva York. Aunque el album ya está algo deteriorado (estamos hablando de mas de 30 años), el sonido que emana de los acetatos es excelente. Este repaso al rock británico consta de 28 distintos artistas presentado alguno de sus temas. La baraja de opciones es bastante amplia y muy variada, y va desde los infaltables Beatles con Ain´t she sweet hasta cosas más desconocidas como The Crazy World Of Arthur Brown y su Fire (nunca había escuchado hablar de él, una especie de proto Alice Cooper, y por ende proto-proto-proto Marilyn Manson, muy maniaco el asunto).

Entre lo obvio y lo desconocido destacan Van Morrison con su clásica Brown eyed girl, los Deep Purple con Hush (rola que en los noventas tendría un muy buen cover con los Kula Shaker), Kinks con All day and all of the night (otros que son esenciales en cualquier compilado de este tipo), Donovan con la primigenia versión de Colours (esta rola fue la que me hizo poner a girar el disco), Cream con (all of the rolas, José Agustín dixit) Sunshine for you love, además de que grupos como Los Troggs, Hollies, (estos dos con temas distintos a sus respectivos himnos) The Who y Dave Clark Five también gritan ¡presente! en esta compilación. Variadito y para todos los gustos.

Entre todo este cúmulo de testosterona tienen cabida cuatro féminas (una por cada cara del album): Cilla Black, Sandie Shaw, Julie Driscoll (con un ajustado cover a una rola de los Basement Tapes de Dylan) y... Dusty Springfield. Muchos de los grupos que aparecen en el album son desconocidos para mí, y lo mismo ocurre con este puñado de mujeres. Es por eso que me pareció mucha coincidencia que yo leyera en las efemérides de la revista español Efe Eme que, precisamente, en un día como hoy, pero del año de 1999 falleció la cantante Dusty Springfield.
http://www.efeeme.com/266/efemerides-2-de-marzo/

Al interior del album History Of British Rock Vol. 2 hay un puñado de notas que explican de manera somera la carrera de los grupos y artistas presentados, así como una breve anotación del lugar que la canción incluida ocupa en sus respectivas carreras. Sobre Dusty Springfiel y su Whisin´and Hoping nos dicen que:

"Dusty fue una de las cantantes británicas más orientadas al rock. Ella llegó directamente de The Sprinfields, el grupo folk con el cual, en 1962, hizo el exito "Silver Threads and Golden Needles", y entonces se fue directo con "I Only Want to Be With You" un exitoso disco que hizo tanto ruido como cualquier exito de los Dave Clark Five. Su voz tenía un aura de realismo terrenal, y una carga emocional que estaba ausente en la técnica de la mayoría de los cantantes de pop británicos. De hecho ella sonaba más como a una chica country de Tennessee, lo cual se hizo notorio en 1968 cuando grabó "Son of a Preacher Man" en Memphis.
"Whisin´and Hoping" fue su tercer lanzamiento en América y su primer intento de lo que puede ser llamado material "soul". La canción fue originalmente lanzada como un lado B de Dianne Warwick. Fue un exito tremendo, alcanzando el puesto número 6 en América, aun cuando había fallado en entrar al top 20 en Inglaterra."

Pues bien, la mujer (muy bella por cierto) que nos pinta esta breve reseña murió por un cancer de mama, en un día como hoy. Tenía 59 años de edad.
Tengo curiosidad por conocer más de su música; y sentir curiosidad por la obra de algún artista es el mayor homenaje que le podamos hacer. Así que este es mi humilde homenaje a esta bella mujer.

Aquí les dejo el link donde pueden descargar el album.

http://www.mediafire.com/file/6qnf8td0v16i4uk/The%20History%20Of%20British%20Rock%20Vol%202.rar

Despues de la Primavera, la Tormenta, la Huida, y entonces... las Piedras.

2011-02-28T14:27:00.000-08:00

Hoy llegó a mi correo el anuncio de la aparición del nuevo disco del español Fabian.
Eso es una buena noticia, sobre todo si se toma en cuenta que ya van dos veces que nos ofrece unas buenas raciones de folk-rock matizadas por un delicioso pop.

La primera de esas tandas lleva por nombre Espera a la Primavera (2007)(que por un tiempo en descarga gratuita, así fue como lo conocí). De esa cosecha yo recomendaría rolas como Mis calles de arena, Como los gatos y Apenas; aunque la decena completa no tiene desperdicio alguno.

http://fabiandc.bandcamp.com/album/espera-a-la-primavera

Despues de la Primavera llegó la Tormenta... acabó y entonces Fabían exclamó Adios Tormenta (2009) (a este lo conocí por medio de una especie de Ep de adelanto) En esta segunda entrega Fabían arrojó algunos buenos guijarros como son la abridora Palabras raras o la que se titula de manera ingeniosa Pequeño decimal.
http://fabiandc.bandcamp.com/album/adi-s-tormenta

En diciembre del 2010 se lanzó el single La Huida como anticipo de lo que sería (y hoy es) el tercer opus del cantautor español. Canción que llena el oido a la primera, y que (como toda buena rola) invita a hurgarla más allá de una mera escucha mecánica. Oir Vs Escuchar. La canción sigue abierta para descarga gratuita.

http://fabiandc.bandcamp.com/album/la-huida-single

Y hoy 28 de febrero del 2011 se anuncia la llegada de Después del incendio y otras cosas así, y se anuncia con bombo y platillo. Cd ilustustrado con un muy buen arte, que según el propio Fabian:

"Después Del Incendio Y Otras cosas Así es un disco muy bonito. Y no nos referimos sólo a la música. Pedro García ha realizado todo el trabajo de arte a mano, y eso le confiere al CD un grado mucho más elevado que el de mero soporte fonográfico. Es una obra de arte en sí misma, y por eso merece la pena que lo tengáis (...)"

Para acompañar la salida de este tercer trabajo, después de La Huida, llega el video del track número uno Piedras. Aquí les comparto el video.

Si de tres, has acertado dos, entonces ya ganaste. Este es el caso de Fabian.
Despues del incendio y otras cosas así, un disco al cual hay que hincarle el oido.

De Head Like a Hole a "Gracias a la academia..." hay un largo camino.

2011-02-27T19:50:00.000-08:00

Fue raro ver a Trent Reznor subir al podio de los Oscars y recibir una estatuilla dorada, enfundado en un impecable esmoquin negro.
Sobre todo porque estamos acostumbrados a verlo con vestimentas negras y muchas de las veces rasgadas y hechas harapos.

De aquél tipo con unas largas e industriales rastas que aparece en Head Like a Hole, hasta este impecable caballero de cabello corto que recibio un Oscar por el score de The Social Network, hay un largo, estridente, furioso e interesante camino.

P.D Otro momento raro de los Oscars (y ese no me tocó verlo en vivo) fue la presentacion de Elliott Smith en los premios de la academia de ya lejano 1998. Esa noche deleitó a la audiencia con Miss Misery.

P.P.D Ok Gwyneth Paltrow es una mujer preciosa, eso no se puede poner en duda, y tiene una linda voz, quizás aquí si se asoma la duda; pero ya no la pongan a cantar: Glee, Grammys... y Oscars. Ya fue mucho.