Anunciado como uno de los final dyings breaths of the Jackal, se encuentra disponible el concierto que Villagers ofreció en La Maroquinerie de París, el pasado 11 de Abril del 2011. La presentación que Conor J O´Brien y sus huestes dieron esa noche fue filmada bajo la dirección de Stéphane Douillard, para después ponerla a disposición de todos nosotros por medio de la página de Youtube de Le Hib00.
El set de esa noche se filmó en un clásico, pero efectivo, blanco y negro. Una combinacion que ayuda a resaltar la intimad del evento. Con unos Villagers casi a ras de piso -sólo a medio cuerpo arriba de los espectadores- y con un excelente estado de animo, la casi hora y media del concierto fluye de manera natural. El repertorio de la noche está compuesto por casi toda la oncena de canciones (excepto That Day) que dan cuerpo al debut de Villagers: Becoming a Jackal (2010, Domino Records). Además de que se pasa revista a Down Under The Sea y On A Sunlit Stage (esta cierra la noche por cierto) canciones que pertenecen al Ep Hollow Kind y a un sencillo, respectivamente.
El repaso que, aleatoriamente, los Villagers dan a su debut del 2010 es muy bueno. El en vivo de The Meaning Of The Ritual supera esta tensa calma que suena en el Cd, y lo hace recurriendo a un cierre más intenso donde la voz en falsete de Conor se contrapone a un sintetizador que emula el sonido de un juego de cuerdas. Por su parte Home recibe un tratamiento más eléctrico; algo a lo que los asistentes responden muy bien. Entre las canciones que no se alejan tanto del sonido y de los arreglos con los que fueron gradadas, podemos contar a Twenty Seven Strangers, Set The Tigers Free ("esta es una hermosa canción" dice O´Brien), I Saw The Death (con Conor al piano), Pieces y Becoming a Jackal -aquí si me hubiera gustado un enfoque más explosivo, algo que ayude liberar la furia que, a mi parecer, reside en la canción-.
Además de lo musical, el concierto está lleno de detalles que lo hacen aun más agradable. Están presentes todas esas pequeñas cosas que marcan la gran diferencia entre lo qué es la música grabadaen estudio y su ejecución en vivo. Esa noche de Abril en La Maroquinerie de París está plagada de cosas como el apresurado cambio de afinación en las guitarras entre canción y canción, o de esas partes de la letra que se cantan lejos del micrófono y que suenan como si las entonara la persona más alejada del escenario. También podemos ver la interacción entre O´Brien y el público -siempre pensé que el multi-instrumentista era un poco más reservado-, así escuchamos como se disculpa con los asistentes y, en un decente francés, les dice que se encuentra enfermo. El buen humor del cantante contagia a los fanáticos, y les arranca las risas con presentaciones como: "Esto es lo más cerca que jámas estaremos de Buddy Holly"; entonces comienza a sonar The Pact (I´ll Be Your Fever). Si bien es cierto que la experiencia de la presentación en vivo nunca es completa, ya que el concierto lo vemos en la comodidad de nuestro hogar y no en un pequeño club, aun así el director Stéphane Douillard logró captar la intimidad de este foro parisino.
Si la intimidad captada en video y el repaso a los clásicos de la banda no fueran suficientes incentivos para darle play al concierto, entonces para los que ya somos fanáticos de este grupo-proyecto-solista de Conor J O´Brien, tenemos el plus de que el concierto es engrosado con un puñado de canciones un poco más desconocidas y otras nuevas. El concierto abre con Cecelia And Her Selfhood, canción de corte intimista, y que durante un poco más de la mitad de su duración es cantada a capella; para cerrar acompañada solamente por un tímido rasgueo de guitarra.
Las novedades siguen apareciendo. Para el cuarto número de la noche O´Brien le dice a su cautiva audiencia (que también somos nosotros) que "esta es una nueva canción": llega The Bell. Novedad por donde quiera que se le escuche. La canción deja ver el lado más salvaje de Villagers, ya que aquí el empuje de lo eléctrico toma la batuta, mientras que lo acústico queda relegado a mero acompañamiento -algo totalmente opuesto a la dinámica que guía Becoming a Jackal-.
Después de una excelente ejecución de Ship Of Promises, ejecución que aunque apegada al sonido del Cd, deja salir la actitud más rockera de la banda, llega el encore. Para acallar los aplausos de los asistentes (a diferencia de México, allí nadie grita ¡Otra! ¡Otra!, ni corean un afrancesado ¡Villagers! Oe, oe,oe,oe) Conor sale acompañado de su guitarra y toca Memoir. Esta canción fue escrita por el lider de Villagers, pero vería la luz cinco días después de ese concierto (hasta el 16 de Abril) en voz de la francesa Charlotte Gainsbourg en un 7" que esta mujer compartió con O´Brien.
Acto seguido... mmmm ni tan seguido, ya que el comienzo de In A New Found Lad se ve interrumpido, primero, por la cegadora luz de un flash y después por los mocos y el sudor del buen Conor J. Ya por fin en marcha, la nueva canción In A New Found Land sigue con la tónica de Memoir, es decir, ese folk susurrante que le conocemos tan bien a Villagers, y del cual hizo gala el pasado 11 de Marzo en la corta sesión que grabó para la página Daytrotter. http://www.daytrotter.com/dt/villagers-concert/20040448-37382429.html
Como ya se había dicho el cierre de la velada se auncia con la nota final de On A Sunlit Stage, y llega con el último aplauso de los afortunados que estuvieron presentes esa noche. Como veo aun muy lejano que Villagers se presenten en este lado del mundo, sólo me queda dirigir el cursor hacia donde una flecha le juega a ser vibora, y trata de morderse su propia cola mientras grita "Replay".
No te olvides de mencionar a su autor y beneficiarios.
Esto se puede leer en el interior del digipack que sirve de morada alEpLas transfusiones de Cruento del gran bajista Alonso Arreola. Así que sigamos las instrucciones.
Esta producción fue una de las cosas que me dejó la pasada primera edición de la Feria Internacional de la Música, que se llevó a cabo acá en Guadalajara. El Cd me lo regalaron en el stand de la disquera Intolerancia (sello que edita este mini-disco) cuando compre otros productos de su catálogo. Una adquisición que no esperaba, y por ello mismo es que me entusiasma aun más su calidad.
El trabajo que Alonso Arreola dejó en su paso porLa Barranca es suficiente como para hacer de su nombre un sinónimo de garantía. Basta con recordar Donde la demasiada luz forma paredes con el polvo, cuarto track del Denzura (2003), canción firmada por el propio Arreola. Y ya en su fase de solista, necesariamente tenemos que mencionar Música Horizontal del 2006, disco con el cual arranca el proyecto de LaBa (Alonso Arreola + Laboratorio/Laberinto) En estas producciones se da fe del gran dominio que este músico tiene de su instrumento: el bajo. Pero los sorprendentes ritmos que este mexicano logra sacar de las gruesas cuerdas no sólo reposan en los distintos formatos donde se han grabado sus creaciones. Nada de eso. Por el contrario, la pirotecnia digital que despliega este tipo tiene su hogar en las clases que imparte en el LaBa, y logra su culmen en las presentaciones que ofrece en vivo. Quienes hemos tenido el gusto de asistir a sus tocadas podemos confirmarlo.
Estas Transfusiones de Cruento se presentan como el primero de una triada de Ep´s en donde Arreola whit a little help from his friends busca musicalizar el concepto de la Sangre. Esto lo explica el propio Alonso Arreola en su página oficial, donde por cierto, también se puede descargar gratuitamente Transfusiones…, aunque esto implique perderte el bonito y elegante diseño (con una circunferencia transparente) que tiene el Ep en su formato físico.
http://www.alonsoarreola.com/
En su página Alonso describe un poco cada uno de las cinco transfusiones que componen este primer Ep, y así nos habla de cómo, por ejemplo, el tercer track (Fluxus para abreviar un poco el kilométrico título) es uno de los solos de bajo más complicado que jamás haya ideado. Además hace notar que el nombre del track que abre el Ep es un homenaje a otra banda que tenía al bajo como uno de sus instrumentos claves: los estadounidenses de Morphine.
En lo que respecta al último track Pulga, dice que es “Otra idea de adolescencia traída al presente…”. Es curioso, pero desde que escuche esta canción pensé que era un claro tributo a Flea de los Chili Peppers, específicamente a la forma en como este bajista abre la rola Higher Ground. Alonso Arreola no menciona nada de esto, y como él es el autor ¿quién soy yo para contradecirlo?
Sin más preambulos, aquí les dejo Las transfusiones de Cruento, un muy buen disco que retribuye con creces la escucha.
Todos los que en ese entonces ya teníamos un mínimo uso de conciencia, recordamos en donde estabamos aquella mañana. Eran otros tiempos. Antes de los smartphones y el twitter todavía las noticias nos llegaban por bocas ajenas y no por teclados de terceros.
Hace diez años del ataque a las Torres Gemelas de New York.
Para mi generación, y cuando menos para una antes que la mía, representa -de manera macábra- nuestra llegada a la luna. Nuestro personal "Houston tenemos problemas". Es decir el evento televisívo que asombró a todo nuestro mundo. Nuestro A.de NY y D. de NY.
Hoy se cumple una década de ese rudo despertar y los duelos, las crónicas y los memoriales no se hacen esperar. En diez años se ha acumulado de todo: preguntas y respuestas, odios y rencores, confianzas y desconfianzas, sangre y cicatrices, pero tambíen... canciones.
Entre ese cúmulo de canciones se encuentra una del maestro Leonard Cohen: On that day. Track número 6 del Dear Heather, disco del 2005 que, a cuatro años del Ten New Songs, daba por cierto el regreso del canadiense. Como era de esperarse Cohen y su coautora Anjani Thomas logran presentar una letra con mucho sentido. Una salomónica canción que antes de señalar culpables o elevar martires interpela al escucha, a aquellos que seguimos de pie. Es este aspecto lo que la hace más universal, si bien habla de un suceso en específico, no se ahoga en la fecha. Hay muchas cosas por delante -parece decirnos On that day-, mucho por venir... ¿Como piensas lidiar con eso?
Canción: En ese día.
Disco: Dear Heather (2005)
Track: 6
Duración: 2:04
En ese día.
Algunas personas dicen/
Que es lo que merecemos/
Por pecados en contra de D--os/
Por los crimenes en el mundo//
Yo no lo podría saber/
Yo sólo sostengo el Fuerte/
Desde ese día/
En que ellos hirieron New York//
Algunas personas dicen/
Que su odio hacia nosotros es viejo/
Por nuestras mujeres sin velo/
Nuestros esclavos y nuestro oro//
Yo no lo podría saber/
Yo sólo sostengo el Fuerte/
Pero contestame esto/
Y no te llevaré a la Corte//
¿Te volviste loco?/
O ¿Te presentaste a cumplir tu deber?/
En ese día/
En ese día//
En que ellos hirieron New York//
_______
¿Dónde estaba cada uno de nosotros hace diez años?, ¿Dónde nos enteramos cada uno de nosotros de ese suceso?
¿Quiénes eramos cada uno de nosotros ten years ago?
Y...
¿Quiénes somos ahora?
¿Qué cosa nos derrumbó ten hours ago?
Porque si bien cosas como el 9/11 cambian el curso del mundo, no dejemos que lo global opaque lo local, ni mucho menos que aplaste lo individual.
Porque...
Everyone suffers in silence a burden/
The man who drives minicabs down in Old Compton/
The Asian man/
Whit his love hate affair/
Whit is racist clientele//
(Belle & Sebastian - The Boy Whit The Arab Strap)
Estaba en rebaja y la tentacion fue mucha.
Hace unas horas me acabo de comprar el disco Headstuns (2009 Hellsquad Records), cuarta producción de The Datsuns. Esta banda originaria de Nueva Zelanda es uno de los frutos que nos dejó esa tendencia a la revisión que marcó los inicios/mediados de la decada pasada. De entre toda esa oleada de bandas "The" que aparecieron, The Datsuns fue una de las de bajo perfil. No se encumbraron como The White Stripes, ni se vistieron tan elegantemente como The Hives, pero supieron perseverar un poco más que The Vines.
He escuchado tres de sus, hasta el momento, cuatro discos.
Para abrir el apetito está el homónimo e imparable debut de estos tipos que data del 2002. El sonido de este disco se puede describir como el hijo bastardo que fue fruto del amasiato entre el groove de Led Zepellin y el valemadrismo de AC/DC. Si bien es cierto que es un, muy marcado, ejercicio de nostalgia rockera (en este caso enfocada en el garage que abreva de The Sonics) aun así es un disco que vale mucho la pena. Rolas tan atascadas como Motherfucker from Hell, Freeze Sucker, o Harmonic Generator (esta última con un poco más de onda) justifican la escucha completa del disco.
El segundo disco es el que se me ha estado escondiendo. De el Outta Sight / Outta Mind (2004) sólo he escuchado Honk Kong Fury, canción que venia incluida en el disco recopilatorio que la revista Rock Sound regaló en su número 75. La canción sigue con el espíritu de la banda. Esta segunda entrega de los Datsuns contó con la participación del ex- Led Zepellin John Paul Jones en el banquillo de productor. Suena a una buena combinación. Yo se que el disco a de estar rodando por la red (qué cosa no lo está) pero aun así prefiero esperarme para cuando me lo tope en alguna tienda o puesto de mercado.
Para el 2006 Dolf de Borst, Phil Buscke, Chris Livingstone y Ben Cole lanzaron al mercado Smoke & Mirrors, que si bien no ayudó a quitarles la etiqueta de una banda de bajo perfil ("de culto" está reservado para bandas que además del bajo perfil, rompen barreras e inuguran o validan estilos. No es el caso de The Datsuns), sí presentó unas variantes al sonido que los identifica. El garage-revival sigue presente, sí, pero ahora se hace acompañar de sonidos más armónicos, como los que abren y revisten a Waiting For The Time To Come. La guitarra slide que acompaña el ritmo de la batería de Stuck Here For Days también salta a la vista... al oido. Tambien Too Little Fire, con sus 7:54 y su cambiante ritmo da fe de que The Datsuns buscan agregarle nuevos ingredientes a su dominada receta.
Headstunts apareció en el 2009, y llego a mis manos al final de este octavo mes del 2011. Hace unas horas. Como apenas le estoy hincando el diente ... el timpano, me reservo la opinión.
Pero lo que importa, la razón por la que esta entrada del blog fue concebida se debe a que la compra del Headstunts me refrescó la memoria y me hizo darle una checada a la web de los Datsuns.
La canción se llama Gods Are Bored y si bien no sorprende tampoco decepciona. Mucho fuzz y un buen ritmo, el espíritu Datsuns sigue presente. Este primer vistazo a lo nuevo de estos neozelandeses ya está al alcance de todo el mundo, tanto para los que ya somos seguidores, como para los que sólo estaban buscando un automovil barato y el buscador del Google les jugó una mala pasada.
Hace algunos días leí una noticia muy curiosa: en este futurista (¿fatalista?) 2010 un niño encontró, flotando en un río, una botella con un mensaje dentro. El mensaje de la botella lo había escrito otro niño -uno que vivió su infancia en la Alemania comunista- y estaba fechado en el año 1987. Este niño –llamado Marko- buscaba un amigo, y su infantil soledad le hizo lanzar tan inocente convocatoria a las aguas. 23 años después su escrito encontró receptor.
La música tiene el mismo carácter errante de aquella botella. Toda canción es un mensaje encapsulado que se lanza a la deriva; donde queda a merced de los salvajes cambios de humor (The Cure dixit) de los tiempos y los escuchas. Es entonces cuando todos y cada uno de nosotros respondemos a los llamados que, creemos, mejor nos calzan. Así le paso al músico ingles Lloyd Cole y a la cantante escocesa Tracyanne Campbell.
Los muros de la universidad de Glasgow fueron testigos del nacimiento de una agrupación que, en el lejano año de 1984 lanzaba al mercado el disco Rattlesnakes. Dicha producción marcaba el debut de Lloyd Cole and The Commotions, grupo que lanzaría al mercado dos producciones más (Easy Pieces y Mainstream) antes de separarse y dar pie a la carrera como solista de su cantante Lloyd Cole. Aquella primigenia grabación contaba con temas como Perfect Skin, Forest Fire, o el homónimo Rattlesnakes. El plato cerraba sus casi 36 minutos de duración con la canción Are you ready to be heartbroken?, una curiosa joya de rock-pop indie.
Esta canción está enmarcada por una guitarra punteada, con un aire sumamente country, que asemeja un poco al sonido del banjo. Además la intermitente, pero solida, aparición del bajo le da más peso a una elegante, ronca e inglesa voz que durante tres minutos con cuatro segundos nos pregunta lo siguiente…
Artista: Lloyd Cole and The Commotions.
Album: Rattlesnakes.
Track 10: ¿Estas listo para ser un corazón roto?
Mirando como un renacido/
viviendo como un hereje/
escuchando los discos de Arthur Lee/
haciendo sentir tan culpables a todos tus amigos/
por su cinismo/
y al resto de su generación/
ahora ni siquiera el gobierno te va a detener./
Pero ¿estas listo para ser un corazón roto?/
¿Estas listo para ser un corazón roto?//
Atascado de vitaminas/
Sobre el conteo de toda la gravedad, /
dices que ahora eres feliz./
A duras penas puedes soportar/
el sostenerte en la estantería./
Si realmente quieres ponerte franco/
lee a Norman Mailer,/
o búscate un nuevo sastre./
¿Estas listo para ser un corazón roto?/
¿Estas listo para ser un corazón roto?/
¿Estas listo para sangrar?//
Qué tanto se pudiera llevar/
¿Qué tanto se pudiera llevar el barrer esa sonrisa de su cara?/
¿Estas listo para ser… estas listo para sangrar?/
¿Estas listo para ser un corazón roto?/
¿Estas listo para sangrar? (corazón roto)/
Será mejor que ahora te prepares bebe/
¿Estas listo para sangrar?, ¿listo para sangrar?//
En 1984 Lloyd Cole y sus huestes colocaron el corcho a esta botella y así pusieron a salvo tan inquietante pregunta. Las aguas siguieron su heracliteo curso, al igual que el aire, la tierra y los seres humanos. Todo se movió a su propio ritmo –porque después de todo es verdad que eppur si muove-, hasta que en el 2006 alguien se atrevió a responder aquella interrogante.
La botella fue recogida por Tracyanne Campbell, la abrió (¡puff!) y le dio lectura a aquella pregunta tan directa, llamó a sus compañeros de la banda Camera Obscura y entonces, y sólo entonces, contestó firmemente: ¡Hey Lloyd, estoy lista para ser un corazón roto!
A estas alturas ya corría el año del 2006 y la banda Camera Obscura tenía en su haber dos producciones anteriores (Biggest Bluest Hi Fi y Underachievers Please Try Harder), cuando lanzaron al mercado un fino compilado de canciones pop titulado Let´s Get Out Of This Country.
Esta producción tiene en su portada a una chica de ojos verdes y mirada perdida realizando una pose que asemeja bastante a aquel cuadro que el noruego Edvard Munch pintara en 1893, llamado El grito. Es una portada muy llamativa que incita la curiosidad. Esto es lo que viene en el exterior del disco, pero en lo que compete al interior, al contenido del mismo no se queda corto. Son 39 minutos de un pop bastante orquestal que arropa a un puñado de letras bañadas de un agridulce romanticismo. Todas las letras de Let´s Get Out Of This Country están firmadas por la escocesa Tracyanne Campbell, cantante que aporta su enigmática voz a la música de Camera Obscura. Fue ella la que encontró la botella lanzada por Lloyd Cole en 1984 y, 22 años después, le dio respuesta. La contestación está rodeada de irónicos sonidos de teclados nupciales, de una alegre tonada de guitarra y un galopante ritmo de batería; entonces, en tres minutos con cuarenta y nueve segundos, Tracyanne Campbell nos dice:
Artista: Camera Obscura.
Album: Let´s Get Out Of This Country.
Track 1: Lloyd, estoy lista para ser un corazón roto.
El dijo: “Te voy a proteger como si fueras las joyas de la corona” todavía/
dijo que se sentía apenado por mí, cada vez más, mal comportamiento./
Lo puedo apostar//
Hey Lloyd, estoy lista para ser un corazón roto/
en este momento, no puedo ver más allá de mis propias narices//
“Celos” es más que una palabra, ahora lo entiendo. /
Se que puedes retener a una chica con estrechar la mano de un chico. //
Hey Lloyd, estoy lista para ser un corazón roto/
en este momento no puedo ver más allá de mis propias narices./
Hey Lloyd, estoy lista para ser un corazón roto/
en este momento, no puedo ver más allá de mis propias narices.//
Tengo en mi vida complicaciones que hay que resolver. /
Me iré a una ciudad costera del este para caminar.//
Hey Lloyd, estoy lista para ser un corazón roto. /
En este momento, no puedo ver más allá de mis propias narices. /
Hey Lloyd, estoy lista para ser un corazón roto. /
En este momento, no puedo ver más allá de mis propias narices. /
Hey Lloyd, estoy lista para ser un corazón roto. /
En este momento, no puedo ver más allá de mis propias narices.//
Se agregó algo más a la nota: la descripción de unos síntomas. Se buscó un nuevo corcho (el cristal del envase todavía estaba en buen estado). La botella se volvió a cerrar, y una vez más se dejó a la deriva. Está vagando libre por el mundo, y queda a disposición de todas aquellas personas que sienten un extraño malestar y no saben a ciencia cierta qué es. Es raro, pero llevan semanas sin poder ver más allá de sus propias narices.
Nota del autor. Las traducciones corren por mi cuenta y son sumamente libres, tan libres como mi defectuoso ingles me lo impone.
En la página oficial de la banda, cuando toca el turno de hablar de esta canción, nos dicen: " Y sí, hace referencia a Lloyd Cole, y afortunadamente, le gustó."
Con golazos------------- SI (¡y que clase de golazos!)
Con heridos------------- SI
Con algún herido a manera de héroe------------SI
Es oficial.
El partido de hoy reúne todos los ingredientes necesarios como para que no nos tiemble la mano a la hora de ponerle el título: DE ALARIDO.
Que si el fútbol solo es pan y circo, que si es amansa-personas, apendeja-gentes. SI.
Hay miles de cosas más importantes en que pensar y por las cuales gritar a todo pulmón. TAMBIÉN.
Pero en un país como el nuestro, donde lo más cotidiano es contar muertos (¿cuenta regresiva?), un partido como el de hoy resulta un verdadero oasis en el desierto. Toda una proeza de la alquimia; convertir la sangre en gloria.
Y no hay de otra, mañana a primera hora, de vuelta a la caza de la chuleta. Las miradas cautelosas al retrovisor cuando refleja la imagen de una patrulla. La nota roja y la nota política confundiéndose la una con otra; aunque después de aguantar una de esas clásicas declaraciones banqueteras como de concurso de oratoria de 6º grado, a veces somos nosotros los que quisiéramos combinarlas un poco… If you know what i mean.
P.D. Al terminar el partido entrevistaron al D.T. de la Selección Sub-17 Raúl Gutiérrez, y una de mis hermanas comentó: “¡Cuando lo veíamos jugar en el Atlante tenía el cabello largo!
No sé porque pero de repente me trono la cintura. ¡Auch!
De ese comentario saqué el siguiente tip:
P- ¿En qué momenta te das cuenta de que ya diste el viejazo mientras miras el fútbol?
R- Cuando notas que todos los jugadores que marcaron tu infancia/juventud ya son Directores Técnicos.
Los niños son siempre como el niño que usted fue: tristes y felices; y si piensa
en su infancia revivirá en medio de ellos, los niños solitarios.
Los adultos no son nada, su dignidad no vale nada.
Cartas a un joven poeta.
Rainer Maria Rilke.
Hay combinaciones imperecederas: libreta nueva –cegadoramente limpia-, más plumas de cuatro colores distintos (negra, azul, roja y verde), más la clásica situación de niño tímido enamorado de niña popular, dan como resultado un sin fin de corazones atravesados por flechas y un buen número de copas rebosantes de una sangre verde (porque así de ajenos nos sentimos).
Cuando ya se llega a ser adulto (dejemos aun lado la mentada madurez) es difícil volver a conectarnos con ese tipo de emociones tan simples, tan básicas y por ello mismo tan genuinas. Cuando se es adulto todo se antoja viciado.
Es por esto mismo que asombra pensar que un adulto (Christoper Sander, alma y mente detrás del grupo sueco Chasing Dorotea) haya escrito una canción como The anchor song. Esta canción viene incluida en el paquete de MP3´s que regala la disquera, también sueca, Labrador (www.labrador.se) a modo de muestrario de su catálogo. Dicho muestrario es una verdadera delicia. Algo que vale la pena agradecer. Porque después de todo hoy en día ¿quién regala setenta/ochenta canciones de los más diversos estilos? ¡Surtido rico! ¡Mande al niño, mande a la niña!
En el apartado que Labrador le dedica a Chasin Dorotea, nos explican lo siguiente:
Mientras comprábamos revistas en un centro comercial notamos una música verdaderamente maravillosa que salía de las bocinas.
Pequeñas y suaves canciones con unas susurrantes y delicadas voces. Preguntamos al chico detrás del mostrador ¿qué era eso? Ese chico era el cantautor Christopher Sander y la maravillosa música era de su autoría; Chasing Dorotea.
En el otoño del 2001 Christopher Sander reunió a un puñado de amigos para enlistarse en Chasing Dorotea.
Empezaron tocando en vivo en Suecia y, lo más importante, grabaron este maravilloso álbum homónimo.
Algunas personas los han comparado con Nick Drake, Red House Painters y Belle & Sebastian. Y desde luego que Christopher Sander tiene el mismo talento obvio para escribir emociones que van de la guitarra y las voces directo al corazón de los escuchas. Esperen que esté cantautor se quedará por aquí durante un buen rato.
Entre todo el cúmulo de canciones de muestra que regala Labrador, The anchor song se destaca como una de las más finas. La letra de la canción me hace recordar a aquellos poemas infantiles que nunca se entregan. Suena a aquellas líneas que sólo son conocidas por sus ingenuos autores y no por las inmaculadas musas que las inspiraron. Y la música acentúa este cariz. La guitarra suena… suena… suena inocente –un diáfano rasgueo-. Y no me refiero a esa inocencia que se emparenta con la torpeza, sino aquella otra que está más enlazada con la timidez. Otro gran punto a favor es que la letra de The anchor song está cantada a dos voces sumamente empatadas, una femenina y otra masculina. Entonces la belleza de la letra cobra más vida. Además la tonada que emerge del melodión (el pianito al que se le sopla) y que es la pauta a seguir durante toda la canción (apertura/intermedio/cierre), es lo que termina por dar cuerpo a la canción. El ensamble final son 3:59 sumamente exquisitos.
Este es el link donde pueden bajar The anchor song.
